No puedo dejar de ver Cine

2012-01-03T10:48:00.000-03:00

ATENCIÓN!!!!! BLOG EN REPARACIÓN

La dependencia de la independencia

2010-12-20T18:27:00.002-03:00

Si hay un término difícil de definir correctamente en el mundo del cine (y en otros aspectos también) es el de “film independiente”.

La pregunta es ¿independiente de qué?; ¿una película independiente es aquella que no está producida por uno de los llamados estudios majors?; ¿o es aquella que más allá de eso, además consigue financiación por sus propios medios?. ¿Qué es lo que se busca cuando elegimos una película por ser independiente?

Por ejemplo, en la Argentina, durante la segunda mitad de la década del ’90 apareció la renovación que se dio por llamar el “Nuevo Cine Argentino Independiente”, comenzando allá en el ’95 con la primera edición de Historias Breves (dicho sea de paso, imperdible la sexta entrega actualmente en cartel), y siguiendo con Pizza, Birra, Faso, Mala época, Mundo Grua, y La Ciénaga, entre muchas otras. Lo que más se recalcaba durante esa etapa era la posibilidad de ver una temática que no se veía en el cine argentino comercial, como si estos noveles directores al no estar presionados por grandes productoras (como ASF o Patagonik) tuviesen la libertad de hacer un relato cómo y con lo qué quisieran. Sin embargo, todos ellos cuentan con banca o financiación (parcial o total) del INCAA (que todos sabemos que ponen ciertos límites); es más muchos de estos films tienen detrás a poderosos multimedios como Cuatro Cabezas, Pol-Ka, América... o institutos privados de enseñanza cinematográfica que sería muy tonto decir que hacen las cosas exclusivamente por amor al arte.

Hollywood tampoco es ajeno a esta cuestión; y así como hay determinadas películas que se lanzan a una carrera de premios para obtener algo de notoriedad; hay otras que hacen gala de una supuesta independencia para atraer a un público cansado de ver superproducciones.

Los grandes estudios del país del norte se manejan con una cartera de proyectos a realizar, no todos llegan a su realización, y no todos reciben el mismo trato de realización...

Más allá de las majors existen las llamadas “productoras subsidiaras”... subsidiaras precisamente de estas grandes empresas. A estas “subsidiarias” suelen ir a parar (además de películas extranjeras para su distribución en EE.UU.) películas soportes de temporada, proyectos que no convencen a las majors para ser distribuidas por su sello principal, pero que pueden traer una cantidad de espectadores, aunque menor a una superproducción, igualmente importante.

De esta manera, llegan a la cartelera mundial films que hacen gala de originalidad, de atreverse a más, de mostrar lo que los grandes estudios no se arriesgan en tratar, o que simplemente tienen una visión diferente; en pos de una supuesta independencia, de no contar con la presión de estos monstruos del cine, sino que “supuestamente” trabajan con más libertad, con empresas más chicas, y hasta alejadas del mundillo Hollywood.

Pero en realidad, no son más que otras películas de majors que se venden de otra manera; al no poder competir en el mismo nivel con películas de presupuestos mucho más altos buscan la publicidad... digamos aleatoriamente.

En los últimos años hemos tenido sobradas muestras de este “clase” de películas; sobre todo desde la aparición de la tan comentada El proyecto Blair Witch y la moda de contar la historia a través de la lente de una cámara supuestamente aficionada como si fuese un video casero. Luego de las aventuras de los muchachos con la bruja del bosque no tardaron en aparecer títulos como Cloverfield, Contactos del cuarto tipo, Actividad Paranormal, y El último exorcismo.

En sus respectivas campañas publicitarias se resalta el hecho de contar con un equipo novel, cuasi estudiantes de cine; de mostrarnos un terror verdadero que el almidonado Hollywood no nos muestra; de ver una historia que podría llegar a ocurrir por su extremo realismo; en definitiva, ver algo distinto a lo habitual... por supuesto viniendo de una producción pequeña e independiente, que solo accede a las majors para una distribución.

Ahora (y tomando a estos films como simples botones de muestra), Cloverfield está producida por Bad Robot, empresa de J. J. Abrams (creador de las series Lost, Alias, Fringe) justo un tiempo antes de su gran estreno de Star Trek... y después del fracaso en taquillas de Misión Imposible 3; todas películas de Paramount Pictures... salvo Claverfield que la distribuyó Paramount Vintage, o sea la misma empresa pero en una subsidiaria para proyectos de cierto riesgo comercial. Un año antes de su estreno se comenzó con una extensa campaña publicitaria de trailers y afiches que nos iban adelantando de a poco la destrucción que el bicho causaría en Nueva York, todo en pos del realismo. Una película pequeña pero que nos mostraría una destrucción similar a la que puede mostrarnos cualquier tanque de temporada...

Contactos del cuarto tipo juega con ser un documental y recreación ficcional de hechos ocurridos realmente de abducciones extraterrestres; es más un año y medio antes se lanzó una campaña y creo a una persona (la psicóloga de la película) que contaba su relato de abducción por internet. Oh, el ingenio de un director y escritor novel para promocionar su película... y además de una manera totalmente independiente logra efectos y criaturas muy reales (bueno, en verdad, los efectos y criaturas de esta además eran muy chotos). La película está producida desde un comienzo por Gold Circle, una de las miles subsidiarias de Universal (la misma de Voces del más allá), y se barajaron los nombres de una decena de directores hasta llegar al desconocido Olatunde Osunsanmi... y la “ingeniosa” campaña con personajes puestos como personas reales es llamativo que halla llegado a todos los medios (los relatos de la mujer – que después se conoció que era una actriz ignota – llegaron a la TV de todo el mundo como hechos verídicos) sin contar con una ayuda económica de algún pez gordo...

Bueno, Actividad Paranormal es el caso más gracioso... o el que más subestima al público. Producida otra vez por Paramount Vintage, la publicidad de esta película sobre casas tomadas por fantasmas, se basó alrededor del mundo en el pavor que los espectadores tuvieron en una función de testeo de público... la película se estrenó en las salas de todo el planeta sin que se pudieran ver más que algunos falsees de lo que se nos mostraría... solamente veíamos a gante saltando en sus butacas como si el fantasma fuese a atravesar la pantalla (¿por qué será que cuando yo voy a ver una de terror nunca me encuentro con multitudes saltando y gritando del miedo?); o sea, es una película pequeña pero con funciones de testeo de público... y encima una función en la que todos tienen merchandising alusivo al film... por lo menos es llamativo; y más llamativo (absurdo) que utilicen la misma metodología de campaña para su secuela de este año (¿de qué se sigue asustando la gente si ya saben como fue la primera?).

Y El último exorcismo, o El exorcista con cámara en mano. En esta se destaca la producción de Eli Roth (Hostel, Cabin Fever)... pero no la producción de Screen Gems (Sony) ni Strike (Otra de Universal), y mucho menos se nos muestra a Lions Gate Films (un conglomerado de medios que distribuye sus films por distintos estudios majors)... como si el director de Hostel y actor de Bastardos sin gloria bancase un film por si solo... bueno el film es tan berreta que quizás...

El último mes llegó a nuestro país Skyline, película dirigida por los hermanos Greg y Colin Strause (especialistas en FX de superproducciones como Avatar y Titanic, y cuya única experiencia en los sillones de director es Alien Vs. Depredador 2: Réquiem) sobre una invasión alienígena (eso si, filmada de manera regular, no con cámara familiar) en la que un destello de luz abduce y extermina a todo aquel que lo ve. Estrenada en EE.UU. en medio de una temporada de fuertes estrenos, su única posibilidad es venderse como un film chico, independiente, venido de las afueras de Hollywood, y bla, bla... pero con la misma calidad (y sobre todo despliegue escénico de efectos) que cualquier superproducción.

Más allá de resultar una película chata y anodina sin demasiado sentido más que ver unas lucecitas aquí y allá y uno extraterrestres que se babean; el cuento de ser un film chico e independiente, otra vez, resulta una mentira; no soloi en EE.UU. es directamente distribuido por Universal, sino que su producción es enteramente de dos empresas subsidiarias suyas Rogue Pictures y Relativity Media; y los directores fueron convocados a último momento para hacerse cargo del proyecto...

En definitiva, no todos estos ejemplos expuestos son necesariamente malas películas; pero si productos engañosos, films que parecen depender de venderse como independientes para lograr algo de notoriedad que de otro modo no la tendrían convirtiéndose en lo que realmente son, productos menores. Estrategias de mercado que le dicen.

El fiasco de turno

Cuando ya está llegando el fin de año, comienzan los balances anuales de todo tipo, cinematográficos también. A mediados/fines de noviembre se va calculando lo mejor que pasó por la cartelera de nuestros cines, y también lo peor... películas como El día del juicio final nos demuestran que es mejor esperar a último momento, porque los peores films también llegan en diciembre.

Hay tres bombas nucleares dispuestas a estallar en cualquier momento en distintas ciudades de EE.UU., H (Samuel L. Jackson) un agente encubierto junto a un escuadrón anti-terrorista interroga a un estadounidense convertido al islamismo (Michael Sheen) como sospechoso del atentado, que además puede guardar alguna información de vital importancia. Entonces, el planteo de la película es ¿hasta dónde se puede llegar para sacar a un sospechoso información de la que dependen miles de vida? ¿se justifican las torturas y humillaciones en estos casos?...

Bueno, bueno, si a esta altura, el simple planteo de esa premisa no los espanta, prepárense porque la película desde un primer momento tiene una postura tomada (te hago la pregunta y te llevo a la respuesta), y es si. Por ahí anda dando vueltas Carrie “Trinity” Anne Moss como una agente que exclama algo de cordura y pide que se termine el flagelo; pero el personaje es tan escueto, mal delineado, y hasta risorio, que da para sospechar que está hecho a propósito.

Lo que El día... nos muestra es una sesión de torturas interminable a una persona que puede ser un terrible asesino terrorista, como si fuese El juego del miedo... pero, eso si, con las escenas fuertes fuera de cuadro (porque si los apremios ilegales no me los mostrás son menos... ¿ilegales?).

El cartel publicitario reza que sec trata de un film que ni el propio EE.UU. se animó a estrenar (salió directo a DVD), como si se tratase de una película escabrosa para ellos... mi postura es que en realidad se trata de un film ara ser visto en las afueras de Norteamérica. A ver, los ciudadanos estadounidenses ya se nos ha mostrado que son concientes de los pocos límites de sus gobiernos, el tema es mostrarle al mundo a que se tiene que abstener si se meten con ellos; de “rebeldía” nada.

Año tras año EE.UU. (sobre todo a fines y post la era Bush Jr.) lanza estas películas en donde aparentan criticarse para finalmente demostrar lo grandioso de su nación y de su ciudadanía... pero esta oportunidad es como el colmo.

La historia arranca mal desde el amos, no se puede cuestionar la rectitud o la validez de un delito gravísimo como los apremios ilegales, son temas que en pleno Siglo XXI deberían estar fuera de discusión (aún más en países como el nuestro con una historia negrísima en esa cuestión).

Más grave aún es que se plantea un tema y nos induce a la respuesta afirmativa; porque del otro lado miles de vida peligran. Hay una premisa básica en derecho que la vida de una persona vale tanto como la del resto del mundo en su conjunto, no se puede cuantificar la vida de una persona.

Por otro lado, otra vez EE.UU. se pone en el centro del universo, el hecho de tres bombas en tres ciudades de ese país es mostrado como si peligrase el mundo entero... aunque si explotasen las bombas las represalias podrían llegar al mundo entero.

Otra cuestión, relacionada con las dos primeras, el foco de atención del film está en mostrarnos como se tortura a ese ciudadano convertido al islamismo (para la historia es un traidor y punto), pero también en saber si realmente esconde algún secreto o si la tortura es en vano... como si realmente importase; por enésima vez, las torturas realizadas por particulares o por agentes del gobierno están mal, son 100% cuestionables, aun si a través de ellas se pueden obtener datos importantes.

Más allá de un final que puede sorprender, el film es de una ideología insostenible, vergonzosa. Siendo justos, como película en si, es pasable (no mucho más) en su manejo de tensión y en las buenas actuaciones de Jackson y Sheen, pero todo queda tapado ante semejantes planteos que atrasan, por lo menos 50 años en la sociedad, y más de un siglo en análisis de estudiosos del derecho (aunque algunos todavía se empeñan en implementar técnicas como la craneología con más de dos siglos de desuso). Lejos, lejísimos, la peor película del año, vergonzosa. ¿qué pasaría si en cualquier país se hiciera la misma película pero con un supuesto terrorista estadounidense?... ah, cierto, sus excelentísimos ciudadanos no serian capaces de terrorismo...

Gana la mayoría

2010-11-15T19:39:00.004-03:00

A la hora de sentarme, como estoy ahora, a escribir estas reseñas a veces es complicado pensar de qué hablar, qué decir.

Se supone que aquí yo trato de plasmar un poco cuales son mis gustos cinematográficos, comentar lo que estuve viendo en los últimos tiempos, y si se quiere (y puede, y resulta mínimamente interesante) relatar en qué entorno vi esas películas.

Durante la primera mitad del año estuve viendo mucho cine artístico, experimental, aproveché para recorrer algunas salas fuera de un circuito más comercial; como pueden ver en las entradas de meses anteriores, mucho cine francés.

Pero luego, precisamente a través de este blog y Facebook, conocí a un grupo de amigos y empecé a salir al cine con ellos. Es lógico que uno no puede “obligar” al otro (y más cuando son más de uno) a ver lo que uno quiere, la película la elige el grupo y allá vamos todos...

Eso es lo que me llevó en los últimos meses a ir a ver al cine estas películas que voy a comentar ahora.

Cuando una película gana adeptos, y hasta crea fanáticos seguidores, es muy difícil clasificar a esas películas, analizar qué es lo que lleva un número importante de público a sus salas... y más aún cuando ya hablamos de franquicias.

En cuestión de semanas estuve viendo Resident Evil 4: La resurrección, El Juego del miedo VII 3D, y en días voy a ver Harry Potter y las reliquias de la muerte (Parte I), tres películas que no estaban que no estaban en mis planes hasta hace muy poco... y es más, hasta tuve que ponerme al día viendo en DVD u Online, RE3, El juego... 5 y 6, y HP 5 y 6...

¿Cuál es mi impresión de estas películas? No es una tarea fácil, Resident Evil 4 y El juego del miedo VII fueron tratadas de manera muy dura por la crítica, pero en definitiva uno tiene que pensar que sus posibles espectadores fueron, en su gran mayoría, los espectadores de los “capítulos” anteriores, por lo tanto se supone que ya están de por más “advertidos” de qué se van a encontrar, y las eligen.

¿Se puede decir que son buenas películas, qué valen la pena, qué tienen algún mérito más allá de la simple repetición? Pues veamos...

La franquicia de Resident Evil proviene de un videojuego homónimo sobre el ataque zombie en una ciudad llamada Racoon City (si, Ciudad Mapache).

En su adaptación a la pantalla grande, Milla Jovovich viene componiendo a la protagonista de la original y todas las secuelas, Alice, un persponaje que no aparece en los videojuegos, y alrededor de ella, si, película tras película, se suceden personajes y elementos de este.

En este caso, el atractivo era poder ver una de estas películas en 3D, ver balas, cuchillazos, patadas, y zombies “saliendo” de la pantalla, y en ese sentido la película cumple.

Luego de haber enviado a varios de sus compañeros sobrevivientes en busca de Arcadia, un lugar aparentemente libre de contaminación de muertos vivos, Alice se dirige a la propia Umbrella Corp. (si, Corporación Paraguas) creadora del virus T, el de la conversión humanos/zombies, para terminar con todo de una vez por todas. Una vez allí será engañada, perderá algunos superpoderes ¿?, y sobrevivirá para ir ella también a Arcadia, claro que no sin antes cruzarse con una nueva orda de muertos sedientos de carne, los amigos de antes, y un nuevo personaje a cargo de Wenworth Miller (el cual parece que extraña los tiempos en que estaba encarcelado en Prison Break), un presidiario que oculta algún secreto... o sea, la trama es una excusa para entregarse a lo que los seguidores quieren ver, mínima introducción, ataque zombie, aparición de Alice, combate zombie, intermedio, combate con zombies, otro intermedio, combate con zombies, y así...

El director de esta entrega es el experimentado en película pochocleras de segundo nivel Paul W. Anderson, esposo de Jovovich, director de la primer entrega, y guionista de todas... aquí Anderson tira toda la carne 3D al asador, por eso tal vez esta sea la más tecnológica, pero a su vez no es la que más combates tiene, en el medio del film hay bastantes escenas en las que se intenta contar la historia, y el problema es que no hay mucho que contar... igualmente los ataques seguirán llegando y ahí sí será el deleite de lo que los espectadores fueron a ver.

Baches narrativos, incongruencias, escenas increíbles (en el mal sentido de la palabra); pero en definitiva se trata de una película de Resident Evil y lo que promete no es encontrarnos con la nueva obra del cine vanguardista, sino sobresaltarnos con los tiros, los muertos vivos, los bichos, y brindarnos la mayor acción posible; y de eso hay, y bastante.

Lo único realmente atacable aún para los seguidores, es haber abandonado cierta estética de western retro-futurista (a lo Mad Max) que Russell Mulcahy (Highlander, uno de esos directores que saben ponerle un plus a films netamente pochocleros) le imprimió a la tercera entrega y que la hizo, por lo menos, diferente.

El final, con una sorpresa – se recomienda no leer los créditos finales porque se arruina la sorpresa – promete nueva secuela, y según los productores, la última (si, claro).

Dos semanas después fui a ver El juego del miedo VII, y la cosa va más o menos por el mismo lado. ¿Hay alguien que no sepa que estas películas se tratan de un par de juegos de tortura física bastante explícitos – para la actualidad -?.

Con esta saga, menos que menos la puede ver alguien que se haya perdido las partes anteriores, la trama que se desarrolla a través de todas, tiene cierta “complejidad” que haria perderse al que llega desprevenido, claro que de última queda ver una sucesión de juegos macabros sin ninguna conexión entendible.

Al decir complejidad, tampoco es que me refiero a un gran ingenio, son un par de vueltas de tuercas, supuestas sorpresas que se dan en cada uno de los films, y no mucha lógica aunque si enmarañamiento.

(SI NO VIERON LAS OTRAS PARTES Y PRETENDEN HACERLO NO LEAN EL PÁRRAFO QUE VIENE) Luego de que en la sexta entrega nos enteráramos del juego de traiciones del detective Mark Hoffman (Costas Mandylor), y que Jill (esposa del Jigsaw original, John Kramer) fue la encargada de matarlo en uno de esos jueguitos... acá arranca una nueva etapa, ya desde el comienzo (por lo que no se adelanta gran sorpresa – hasta se insinuaba al final de la sexta -) sabemos que la muerte de Hoffman no fue tal. Jill (Betsy Russell) denuncia ante la policía que el detective era el nuevo asesino a cambio de protección... pero un nuevo juego comienza, ufff. En esta oportunidad hay un supuesto sobreviviente a los juegos de Kramer y Cia. (Sean Patrcik “Indy adolescente” Flannery) que escribió un libro de autoayuda relatando como se sobrepuso a esos horribles hechos, y hasta maneja un grupo de contención para ex víctimas de Jigsaw. Bueno, el sobreviviente no lo es tal y por eso caerá en el nuevo juego en el que deberá pasar varias pruebas salvando o asesinando a distintas personas relacionas a él y su “mentira” (esto ya lo vi cuatro veces).

Por lo tanto más de lo mismo, se intenta dar una vuelta de tuerca más a un tornillo que ya parece falseado y por más que gire no ajusta... pero están los juego en cuestión (un poco menos cruentos o explícitos que los anteriores), y el 3D claro; tripas, achuras, sangre, pedazos de vidrios, machetes, cierras, tetas, todo es arrojado hacia el espectador, haciendo a diversión de los que fueron a buscar eso (¿la mayoría? ¿todos?).

Un supuesto final sorpresa, más cantado que la mierda, promete nueva/s partes, infinidades de partes (aunque hace ya dos partes que tienen prometiendo que es la última), con una excusa gastada, pero aparentemente rendidora.

A su favor tiene algunos puntos de contacto con la primera entrega en el hecho de no centrarse tanto en los juegos, sino también en la trama de suspenso.

Baches narrativos, incongruencias, escenas increíbles (en el mal sentido de la palabra); pero en definitiva se trata de una película de El juego del miedo y lo que promete no es encontrarnos con la nueva obra del cine vanguardista, sino sobresaltarnos con las torturas, sangre, algunos desnudos, laceraciones, carnes al rojo vivo... ¿esto no lo escribí antes?.

Ahora lo realmente increíble es que todavía siga apareciendo John Kramer en la piel de Tobin Bell siendo que en la tres ya se muere. Las excusas para ponerlo una y otra vez (y encima hacernos creer que es el potagonista con una aparición de 10 minutos por película) cada vez son más patéticas, y la de esta ya roza lo ofensivo a la credulidad.

En definitiva, son dos cintas difíciles de criticar, ¿si son buenas películas? Probablemente desde lo objetivo no, pero son sagas que ya cuentan con sus seguidores, que aceptaron sus reglas, que ya saben lo que se van a encontrar y esperan bastante de repetición, y desde ese punto no se puede decir nada; las dos cumplen con lo que se promete, más y más, continuar, agregar un nuevo número a lo ya visto, y esperanzar con seguir incorporando...

Dentro de dos semanas le toca el turno a Harry Potter, otra que no estaría entre mis preferidas, pero hay que ver, las salidas con amigos le agregan un gusto especial.

El fiasco de turno

Aparentemente Facebook no solo sirve para hacer buenos amigos con los que ir al cine, o poder tener una ampliación del blog (¡¡¡Si, No puedo dejar de ver cine está en Facebook también!!!), sino también serviría como base para realizar películas de segundo nivel y promocionarlas como si fuesen el nuevo Citizen Kane.

En realidad Red Social no es una película sobre Facebook, sino sobre su creador, Mark Zuckerberg, sobre como un nerd de universidad termina siendo un multimillonario no sin antes pisar varias cabezas, o no.

La película se plantea como un thriller, un film de intrigas, lo-que-hay-que-ver-para-entender-a-los-jóvenes-de-hoy, una historia de traiciones, ambiciones... y no se cuantas pavadas más. En el fondo no deja ser un una especie de biopic más digna del film de la semana de un canal de cable. Esto no seria tan grave si no fuese porque detrás de cámara se encuentra David Fincher, un director que claramente está para más que esto.

Algo similar había sucedido con el fiasco del mes pasado, Enterrado; Red social es un film mediocre pero con muchísima publicidad detrás, crítica inflada, posibilidaes de ganar los premios de siempre, y comparaciones (insultantes) con films como La ventana Indiscreta o Ciudadano Kane, o sea...

La película intenta captar público de dónde sea, cómo sea. Se aprovecha de la red social informática más popular (¿para cuándo Dreamworks sacando la película del pajarito de Twitter?), intenta llevar jóvenes con un elenco de caras reconocibles entre los que se encuentra el ex N’Sync Justin Timberlake, tiene un buen director como para asegurar calidad (no la hay), y los críticos cumplen con su parte posicionándola como un clásico a futuro (si, claro).

La historia es la de Zuckerberg (Jesse Eisemberg) un estudiante universitario muy retraído, con un solo amigo (Andrew Garfield, el próximo Spider Man por lo que las promociones siguen...), y una novia a la que no presta mucha atención (Rooney “soy la nueva Nancy” Mara) y que lo abandona al comienzo del film. Para desprestigiar a esta chica, y con la “colaboración” de uno gemelos interpretados por el mismo actor (hasta se llegó al absurdo de alabar esto como si nunca se hubiese hecho), creará una red interuniversitaria, The Facebook, que luego traspasará la barrera y llegará a ser lo que es. En el medio, los gemelos lo acusarán de plagio, tendrán una disputa judicial con su (ex) amigo, y por ahí anda Timberlake como el creador de Napster y colaborardor (es obvio que la única finalidad de este personaje es que lo interprete el cantante).

En definitiva no deja de ser otra de esas películas que antes de empezar aclaran “esta historia está basada en hechos reales” y de ahí en más nos cuentan una historia de vida ejemplar, aunque en este caso sería a la inversa, una historia de vida (no) ejemplar... o no tanto.

Por un lado, lo muestran a este muchacho haciendo todo tipo de traiciones y negociados con tal de escalar posiciones en lo económico y en popularidad; pero por otro lado parecieran empeñarse en buscarle justificaciones o ambigüedades como para decir “esto pudo haber sido así, o puede que no”. Todo esto aporta a la medianía general en que se ubica el film.

¿Es un mal film? No, es uno mediocre, sin vuelo, más propenso al directo de TV; y no tiene ningún valor que lo rescate de ahí, solo tal vez algunas actuaciones.

Fincher está totalmente opacado, casi no se nota que la dirigiera él, pareciera que el resultado sería el mismo si detrás de cámara se ubicara cualquier director de series o video musicales, o un completo debutante.

El guión peca de millones de frases hechas del autoayuda, y lugares comunes, ese estilo de “el sueño americano es una mentira”, “el American Way of Life es una infamia”, ya se ha visto infinidades de veces y a esta altura a nadie parece importarle, porque en definitiva EE.UU. se sigue ubicando, aún para –supuestamente - criticarse en el centro de la escena.

Al maestro con cariño

2010-10-14T19:38:00.010-03:00

El último 12 de septiembre falleció uno de los más grandes directores y críticos de la historia del cine, no solo francés, sino mundial; estoy hablando de Claude Chabrol. Por eso en este mes quiero rendirle un humilde homenaje recordando brevemente quién fue, y principalmente revisando la que, para mi, fue su mejor obra, Gracias por el chocolate.

En lo personal, Chabrol es uno de mis directores preferidos, mi gusto particular por el cine francés (de lo cual ya di cuenta en las entradas anteriores) es en gran parte debido a toda su obra que fue pasando por distintas etapas; y principalmente se destacó, a mi gusto, como uno de los grandes maestros del suspenso, a la altura del magnífico Hitchcock y sus mejores obras (con el cual siempre fue comparado).

Gran amante de la literatura y el arte en general, lo que se reflejará en sus refinados relatos cinematográficos, Chabrol logra destacarse por primera vez como crítico en la prestigiosa Cahiers du Cinema y ya allí se percibiría su pasión por el mítico director inglés de Vértigo, llevándolo a realizar un film teórico sobre este personaje junto a otro compañero de Cahiers..., Eric Rohmer.

A partir de allí, y fundando una productora propia, su carrera como director despegaría; primero como uno de los más destacados dentro de la corriente de la Nouvelle Vague, de la cual se destaca Los primos un trágico relato de suspenso (algo que se repetiría en toda su filmografía) la cual forma un díptico con El bello Sergio (su considerado primer film). Durante esta etapa priman los grandes triángulos amorosos que desembocan en un mal camino, repitiendo varias veces los personajes de Paul, Charles, y Helene.

Pasando por películas bien pequeñas, casi caseras, a otras de estructura más amplia con grandes estrellas del cine; siempre se mantuvo fiel a sus relatos intimistas.

En 1995 aparece quien sería su musa para el resto de sus films, Isabelle Hupert, junto a ella filma esa gema llamada La Ceremonia, con la que llevaría al súmun el personaje femenino dominante, centro de la historia, frío y calculador, que repetiría en otras obras como aquel opus de “pareja de estafadores” No va más.

Y todo esto nos lleva al año 2000 con Gracias por el chocolate, nuevamente con el protagónico fuerte de Isabelle Hupert cumpliendo el rol de esas mujeres que terminaron marcando su carrera, no solo con Chabrol.

Aquí Hupert es Mika Müller una empresaria que maneja una fábrica de chocolates... y también maneja a la familia compuesta por André Polonski, interpretado por Jacques Dutronc, pianista casado en segundas nupcias con Mika, y el hijo de este con su primer esposa Guillaume (Rodolphe Pauly). Desde un comienzo vemos como Mika, con pequeñas miradas y frases cortas maneja toda la situación, planea que nada se salga de control.

Todo se complica cuando a su calculada vida llega Jeanne Pollet (Anna Mouglalis), quien dice ser la verdadera hija de André (por un cambio en el hospital con Guillaume)... pero esta confusión no es el centro del relato, Jeanne participará en la vida de la familia Polonski - ¿será casualidad la comparación de ese apellido con la del director de El pianista, también acostumbrado a los personajes femeninos centrales? –, y Mika se verá amenazada, más aún cuando Jeanne sospeche y descubra el secreto detrás de esa piedra con rostro de pelirroja... contar más sería un verdadero crimen.

La película, de una construcción casi teatral, y basada en una novela de Charlotte Armstrong, se destaca por la suma de detalles; esa construcción tan francesa de diálogos justos (lo que no quiere decir pocos, sino importantes), clima frío, cortante, importantes silencios, y situaciones minimalistas.

La anécdota parece sencillamente una pequeñez, es más, como dije, lo que podría dar lugar a una trama más extensa como el cambio de bebés, prontamente pasa a un segundo lugar para observar el duelo entre estas dos féminas por tomar el control... o por lo menos es lo que presiente Mika.

Pero dentro de esa sencillez es donde mejor se mueve el gran Claude Chabrol, inmiscuyéndose en el entramado familiar, y más precisamente en las miserias de uno y otro.

Lo que queda es un gran film que logra mantenernos atrapados aún con mínimos recursos, sin grandes artilugios, ni vueltas de tuerca, sin engañar al espectador; eso si, atrapándolo en su red como Mika hace con los suyos; un gran relato dramático de suspenso.

Detrás de esto, como dije, una crítica social a las apariencias, al conservadurismo, al extremo al que se puede llegar con tal de mantener el status quo.

En cuanto a la puesta de escena, minimalista en extremo, es un clásico de Chabrol, la decoración ampulosa y seca a la vez en donde priman los colores pasteles, apagados y un cierto brillo apagado, tal vez una muestra de lo que va sucediendo alrededor del mundo de su personaje central.

Junto a la escenografía, la música (poca y precisa) y la dirección de fotografía terminan de conformar ese clima ascético, de un orden que se va derrumbando con la presencia de lo nuevo.

En cuanto al rubro actoral, bueno, ya dije, esta Isabelle Hupert y un gran director de actores como fue Claude Chabrol. Cada uno cumple su justo rol como si fuese una partida de ajedrez perfectamente planeada previamente. Jacques Dutronc y Rodolphe Pauly cumplen intensamente los roles de la inocencia que poco a poco va cayendo en conocimiento y verdad; al comienzo del film uno no puede creer como André y Guillaume son tan pasivos ante el dominio de Mika, pero al finalizar el film, algo se habrá quebrado en ellos.

Anna Mouglalis realiza una Jeanne Pollet ideal, el personaje de la juventud amenazante, la nueva que capta la atención de todos, y que encima parece no caer tan fácilmente en los fríos encantos de Mika; ella será el motor desencadenante, la que no descansará hasta derribar la máscara de la matriarca familiar.

Y bueno, Mika, ¿qué decir?, parece un personaje delineado a la imagen de Isabelle Hupert, hay algo sensual en su frialdad (quienes recuerden La profesora de piano sabran de qué hablo), en su dominación; nada en ella está librado al azar, realmente una mujer de temer; y a la vez un ser sofisticado, que a simple vista puede resultar agradable, cálido... en lo personal ÉL rol de Isabelle Hupert, sencillamente per-fec-ta.

Detrás de toda esta maquinaria se esconde el genio de Chabrol, su presencia se siente a lo largo de todo el film, como alguien que dirige la batuta para que nada escape de su control (¿cómo un Mika masculino?); y de este modo imprimió su sello a cada una de sus obras, haciéndolas indiscutidamente propias. Es de esos directores que a los cinco minutos de iniciado el relato uno sabe que es un film suyo, y eso es algo que solo logran las grandes personalidades.

Gracias por el chocolate tal vez no sea su obra más recordada, la más elogiada; pero eso mismo es lo que la hace grande, es un gran film envuelto en un envoltorio pequeño simple. Cuando uno tiene un gran regalo que entregar no importa hacerle un gran paquete, porque lo que importa es la esencia, el regalo en sí; Claude Chabrol nos regala una gran obra, una película inmensa, una excelente filmografía. Adiós maestro, y gracias...

EL FIASCO DE TURNO

Bueno, abandonando tanta solemnidad, la verdad es que es casi un insulto escribir sobre la película a continuación, después de hablar de semejante obra maestra... pero la sección está y algo hay que hacer.

Siguiendo en la línea del suspenso, y como si fuera poco, en las comparaciones con Alfred Hitchcock, el fiasco de este mes es Enterrado (ojalá fuese una realidad y no solo el título del film en cuestión).

Bueno, la cosa es así, Ryan Reynolds (Blade Trinity) es Paul, un camionero que participa en una misión de reconstrucción en Irak enviado por el Ejército estadounidense. El asunto es que un grupo de insurgentes parace apresarlo y lo encierra en un ataúd varios metros bajo tierra y con solo la mísera ayuda de un Blackberry con poquísima batería para poder comunicarse al exterior, un encendedor y una petaca. De mientras los insurgentes aparentemente piden una importante suma de rescate. La cuestión es ¿cómo hará Paul para huir de ese suplicio?, y no la cuestión por la importancia, sino porque es la única cuestión, o sea...

Influenciado por la abultada crítica que compara a su director (el español Rodrigo Cortés) al nivel de, como anticipé, ¡Alfred Hitchcock!, concurrí al cine entusiasmado esperando ver una de intriga y tensión que me carcomiera los nervios... resulta que cuando terminó el bod...la película realmente (y por varios días) pensé que el film dos horas y cuarto (conte mal por los muchos avisos y avances), para darme cuenta ahora que escribo esta reseña y reviso la ficha técnica que tan solo dura 95’, poco más de hora y media; lo cual habla que realmente me parecieron interminables.

Desde hace unos años, Hollywood (porque creer que esta película está fuera de la esfera hollywoodense es, como mínimo, risueño; si bien acusa producción mayoritaria española) viene impulsando una idea/moda de películas aparentemente hechas con centavos, experimentales, con guiones supuestamente originales, filmadas con cámaras de menor calidad, y con cierto ritmo frenético para darle la falsa sensación de algo casero, y hasta algunas se “animan” a un supuesto tinte documental... siendo sinceros, la primer película pudo sorprender, aún no siendo una gran cosa, El proyecto Blair Witch por lo menos parecía original (y más aún su forma de promocionarse como algo real)... pero al film vigesimoquinto como que empieza a sonar rancio.

Open Water, A la deriva (¡era igual a Open Water!), Cloverfield (con un monstruo con más presupuesto que cualquier película promedio), Rec 1 y 2, El descenso, Abducciones, Actividad paranormal 1 y 2, El último exorcismo... Uff.

Como si fuese poco (en realidad, primordialmente) estas películas se basan en un esquema de publicidad extrema, venderse dónde y cómo puedan, casi como un producto publicitario más que un film en sí. Y dentro de esa extensa publicidad se incluye los elogios varios, los supuestos miedos (por lo realista) del espectador en todas partes del mundo previamente (cuando después terminamos enterándonos que se estrenó en poquísimos lugares, como esta), y las críticas infladas (¿en serio, Hitchcock, con qué necesidad?).

Fuera de esta maquinaria lo que suele quedar es un engaño, películas fácilmente olvidables y que hubiesen sido lo mismo que ver el video del cumple de la tía Raquel... y la certeza de que el film será bueno si hay una buena mano detrás de cámara (como es el caso de Jaume Balagüero en las dos Rec), y no im plemente por ser filmada como si el director tuviese parkinson (las filmaciones caseras no salen tan movidas), o por el contrario, como si no hubiese nadie detrás de cámara (como en esta película).

Yendo a Enterrado específicamente, la película parece un cúmulo de errores y lugares comunes, y una trama que, desde ya no da para más de un corto de 15 minutos como muuucho.

La tensión y la preocupación por lo que será de nuestro personaje se aguanta, seamos generosos, la primera media hora, luego, seria bueno que cada espectador cuente en la entrada con una pala para poder ayudarlo y así terminar con el soponcio; no ay tensión tal, sino nerviosismo, exasperación, que es trasladada al espectador que no ve la hora de vislumbrar los créditos finales.

Imagínense ver una de las millones de secuelas y copias de El juego del miedo, pero con un solo juego o tortura durante todo el film, en definitiva, a lo largo ya no nos importa si se muere ahogado, si la tierra le tapa los pulmones, si un iraquí le pega un tiro, o si se prende fuego con la petaca y el encendedor, lo único que importa es que pase algo, que cambie o termine.

Por otro lado, la historia parece querer jugar al engaño, a la vuelta de tuerca, a la inseguridad de no saber por qué terminó en esa situación; bueno, avísenle al guionista que a nadie le puede interesar eso cuando tenemos hora y media de ver a un tipo en permanente primer plano intentando escapar de un reducidísimo espacio. Sinceramente ¿Qué me importa cómo y por qué llegó allí? Que salga de una vez. Perdón que e violente un poco, pero esa es la sensación de exasperación que trasmite la ¿historia?.

Por ahí se anda comparando este mamarracho con el genial opus 8 a la Deriva del director de Marnie, bueno caer en lo mismo sería imperdonable para mi persona. Simplemente no tienen punto de comparación, Hitchcock imprimía real tensión a sus obras, uno ya esperaba esa vuelta de tuerca que trastocara todo lo visto, de alguna manera, al ver sus películas, no se puede despegar los ojos de la pantalla, como algo hipnótico, iconográfico. Con enterrado pasa lo contrario, a tensión dura lo que un suspiro (y no uno muy largo), la vuelta de tuerca o intriga no parece importarle a nadie, y a la media hora mirar la luz verde del cartel de “Salida de emergencia” en la sala parece una mejor opción; tal vez lo único rescatable (además, eso sí, de cierta meticulosidad en el escape) sea que a las pocas horas de erla uno ya no recuerda con exactitud de qué se trataba y eso que no ay demasiado que recordar).

Como aclaré, el tema del escape o la salida del ataúd, pareciera estar contado con cierta meticulosidad o detallismo, lo cual juega a favor, pese a que recae en ciertos errores o inverosimilitudes (lo cual sería perdonable en pos del mejor ritmo del film, cosa inexistente aquí).

El rubro técnico, en general, es correcto, aunque repetidas veces pareciera que todos abandonaron el set y solo quedó Reynolds poniendo su carita en la cámara constantemente.

Hablando de Ryan Reynolds, el actor de La propuesta, Definitivamente... tal vez, y la próxima Linterna Verde, no arece sentirse muy cómodo con tanta exposición frente a las cámaras, y algunos momentos parecen cuasi mecánicos; tal vez el suspenso (que no permite desplegar el carisma del que hecha mano en todos sus films) no sea donde mejor se mueva.

No es cuestión de resultar severos, pero comparar esta pelícua, con grandes obras maestras del suspenso, y a semanas de la partida de Claude Chabrol, no pareciera merecer otro calificativo que insulto.

¿Vuelven los ’80?

2010-09-11T12:08:00.002-03:00

¿Cuándo fue la última vez que escucharon esa frase “todo tiempo pasado fue mejor”?, ¿es eso cierto, o es cierto que “lo mejor está por venir”?. Lo cierto es que en los últimos tiempos el cine, sobre todo Hollywood, está mirando con añoranza aquellos tiempos en que el video hogareño apenas estaba en pañales, y por consiguiente cada estreno de una “película importante” parecía un gran suceso.

De eso tenía ganas de hablar en este mes, si se quiere de una manera especial, ya que pondré la reseña general y “el fiasco de turno” todo junto en un mismo artículo.

Ya se ha dicho, y se sabe, que en Hollywood las ideas originales no abundan en los años recientes. Adaptaciones inferiores de films extranjeros, copias y copias de una película exitosa... y remakes de grandes éxitos de décadas pasadas con un pretendido aire renovador (no siempre logrado, claro).

Bueno, otra cosa que es sabida es que, el nuevo milenio no empezó del todo bien para EE.UU. en lo referente a política, sobre todo internacional. La anterior gobernación de George W. Bush hijo, dejó una imagen de ese país ante el mundo, digamos dudosa... además de sumirlo en una crisis económica.

Pero como este no es un blog político, ni pretende serlo, vamos a lo que nos importa. EE.UU. necesita mejorar su imagen, casi desesperadamente. Entonces, ¿qué mejor que recordar una época en la que la gente parecía más contenta?, una época en la que estaba claro cuál era el lugar que ese país ocupa en el mundo, el dominante. Ya no tenemos un actor hollywoodense carismático en el gobierno... pero tenemos a un carismático Premio Nobel de la Paz. ¡Que vuelvan los ’80!

La onda ochentosa parece abarcar varios puntos, por ejemplo, en música tenemos a Lady Gaga, alguien cuya parafernalia perfectamente podría ubicarse en esa época, y a los chicos de la serie de TV Glee que directamente reversionan canciones de esa década; hablando de series, ¡volvió V, Invasión extraterrestre!... pero ahora no usan vestidos rojos, ni usan símbolos simil nazis o publicidades expresionistas como la antigua URSS, sino que son parcos, andróginos, y con vestimenta muuuy blanca ¿alguien dijo árabes?.

¿Y en el cine?, haber: primero proliferaron las nuevas versiones de las películas de terror creadas en la era Reagan, hasta una productora como Platinum Dunes (del explosivo Michael “Optimus Prime” Bay) dedicada únicamente a esta temática. Luego, empezaron a arribar las esperadas adaptaciones a la pantalla grande de las series de ese momento. Y ahora, películas que directamente rememoran o festejan las costumbres típicas de esos años.

En los últimos meses pudimos ver en nuestras pantallas Pesadilla en la Calle Elm, Karate Kid, Brigada A, Un Loco Viaje al pasado, y Los Indestructibles, y eso sin contar varias películas que sin hacer referencia, copian la estética, como Zack y Miry hacen una porno, ¿Qué pasó ayer?, o Son como niños.

No se confundan, tengo un gran aprecio por los íconos y estética de esa época, en ella viví gran parte de mi infancia, y a ella pertenecen muchas (casi todas) de mis películas favoritas. Esto es solo un análisis.

Empecemos, al decir Pesadilla... estamos hablando de uno de los más fuertes representantes del sub-género del cine de terror, el llamado slasher films, las pelis de asesinos seriales, un tópico explotado al máximo durante los ’80, y cuyos títulos más representativos todos han tenido su remake o adaptación (Martes 13, Halloween, Noche de graduación, La masacre de Texas – aunque esta es de los ’70 pero inauguró el género –, etc. ).

Este temática trata de adolescentes siendo perseguidos, y casi todos alcanzados, por asesinos enmascarados, o deformes, con algún trauma en el pasado (la mayoría en su infancia), y que de alguna forma buscan una sádica venganza. Casi casi como ver jóvenes cayendo de uno en uno. Son las reglas aceptadas del género, y en todo caso son como un placer culpable que todos, y me incluyo (es uno de mis films de terror preferidos), disfrutamos.

Estas películas juegan con una paranoia, con un miedo a lo que puede pasar, hasta habilitan una suerte de “justicia por mano propia”, ya que se avalan cualquier tipo de medidas que se puedan tomar para frenar semejante carnicería... y encima con sus interminables secuelas es como un mal diabólico que nunca termina. Juegan con un morbo, y una idea intrínsecamente conservadora, encerrémonos en nuestra casa, no antendamos el teléfono, desconfiemos de todos, ni siquiera durmamos, el terror puede acechar en cualquier lado. Y sin contar determinadas reglas “de conducta” para los personajes, en donde por ejemplo, ser sexualmente abierto, de raza no blanca, o algo retraído o rebelde, es sinónimo a ser la primera de las víctimas; no por nada ver un noticiero se parece cada vez más a una de estas películas.

Veamos el caso de Pesadilla... (ATENCIÓN A QUIENES NO LA VIERON PORQUE HAY SPOILERS, PASEN AL SIGUIENTE PÁRRAFO), la historia empieza con un violador y asesino de niños serial al cual los padres de esos niños capturarán y harán “justicia” prendiéndolo fuego. Pasado el tiempo, con los niños ya adolescentes, el violador Fred “Freddy” Krueger volverá desde la muerte para acechar a esos jóvenes en sus sueños en venganza de lo hecho por sus padres, y así caerán uno a uno sin remedio ya que una vez que se duermen serán irremediablemente presas de este... y encima parece que no pueden quedarse despiertos una noche. Ahora sí, la lista de muertos es la siguiente: primero la joven que se acuesta e insinúa sexo con su novio (un malandrín) es elevada y rebanada en su estómago en una escena de casi extasis sexual; luego, claro, el malandrín cuando es encarcelado se dormirá y será ahorcado con una sábana; más tarde, el novio puritano de la protagonista, cuando pierda la inocencia y tenga pensamientos feos con su novia y con una revista chancha en manos... será chupado por la cama; y sobre el final, la madre alcohólica y despreocupada de la protagonista (la única adulta en morir) será prendida fuego en su cama. Ah, la protagonista, Nancy, es candidad pura, con shortcitos por la rodilla y pelo recogido en toda la película... ahora sí, cuando se de un baño de espumas con las piernas abiertas, la garra de Freddy saldrá de entre ellas, o sea... Bueno después de todo, Wes Craven, su director, se hizo famoso con otra película de terror La última casa a la izquierda (que también tuvo su remake “Platinum Dunes” el año pasado) en donde los héroes son unos padres que emprenden una carnicería contra unos ladrones que violaron y mataron a unas adolescentes.

La remake que este año tuvimos de Pesadilla copia casi textualmente a la original, agregándole algo más de la historia pasada del asesino y no mucho más; tal vez sea porque el mensaje que se pretende dar sea el mismo antes y ahora.

Distinto es el caso de Karate Kid y Brigada A, en donde en sus adaptaciones 20 años después, del original quedó poco más que el nombre.

En la primera, remake del clásico de Alvidsen con Ralph Maccio y Pat Morita, ya no se practica karate sino kung fu, no nos mudamos a California sino directamente a China, y no tenemos a un adolescente tímido sino a un niño bastante avispado con problemas para adaptarse; pero por lo menos el fondo, o trasfondo, sigue siendo el mismo, al igual que los mensajes de superación, valoración e integración, lo que la hace bastante aceptable y extrañamente atípica para estos tiempos ya que nos recuerda los valores típicos de amistad y compañerismos típicos de la década a la que estamos haciendo mención. Eso si, no esperen que haya un furor de chicos practicando kung fu, y mucho menos que se transforme en un clásico recordable (aunque en EE.UU. tuvo en éxito algo notorio).

No corre con la misma suerte la llegada al cine de la recordada serie protagonizada por el ¿eterno? Mr. T. Básicamente le quitaron todo lo bueno que tenia la serie y dejaron un envase sin demasiado contenido más allá de una violencia que la serie se caracterizaba por no tener.

Brigada A fue algo atípico en el mundo de la acción de los ’80, tal vez porque estaba dirigido a un público infantil (al igual que Karate Kid), por lo tanto sus mensajes eran otros, ya que el centro de la serie era un grupo de renegados del gobierno de EE.UU. que formaban una especie de “grupo parapolicial” encargado de resolver los más diversos conflictos, y algo particular y fundamental era que si bien había mucha “adrenalina” (por decirlo de algún modo y no repetir “acción”) no corría demasiada sangre y nadie se moría, el bien ganaba sin necesidad de ser cruentos.

Los tiempos cambiaron, y eso de no mostrar violencia, según los productores y el directos del film, “hoy no sería creíble”, si claro. Entonces lo que tenemos es un film que lo único que nos muestra es a un grupo de ex soldados (ya no de Vietnam sino de Afganistán) traicionados que forman una fuerza especial... pero que colabora con los EE.UU. para solucionar problemas con los extranjeros malos de siempre y encontrar al cupable de la traición, y todo lleno de explosiones, tiros, sangre, muertos y desmembrados; y si, un mensaje mucho mas típico de tiempos conservadores como los de entonces, y como los de ahora. ¿Actuaciones, caracterización de los personajes originales? Ehhh.... bien, gracias.

Por otro lado, Un loco viaje al pasado sí parece querer honrar aquella mágica década. No es estrictamente remake o adaptación de una película o serie de la época, pero sí toma muchas cosas de ellas para evocarlas con cierto humor, pero sin dejar de reconocer su valor.

La historia es la de un grupo de amigos de la secundaria ya cuarentones cada uno con la vida arruinada por alguna cuestión que se reúnen en un viejo hotel con spa para intentar solucionar la depresión de uno de ellos que lo llevó a un frustrado intento de suicidio, a los cuales se les sumará el sobrino adolescente de uno de ellos.

El hotel en cuestión es aquel en que pasaron el mejor fin de semana de sus vidas, o por lo menos de su adolescencia, y en él, a pesar de estar actualmente muy derruido, encuentran un jacuzzi en el que trataran divertirse como en aquellos tiempos. Sin más vueltas, el jacuzzi resulta ser una máquina del tiempo que los llevará directo a los ’80, más específicamente a aquel fin de semana.

De ahí en más comienza otra película, o la película en sí, porque lo mejor de ella, lejos, es el humor hecho sobre los elementos ochentosos, incluyendo varias apariciones de íconos como Chevy Chase y Crispin “George McFly” Glover (¿cómo hizo Zemeckis para que no parezca tan extraño?), y esto sin contar el protagónico de John Cusack actor de varios clásicos contemporáneos.

El argumento es claro que toma como base Volver al Futuro, y hasta los conflictos que se plantean los personajes y la manera de resolverlos remedan a los de la saga con Michael Fox. Pero además está llena de “homenajes” a las películas de John Hoges, las superproducciones de Amblin, series como Miami Vice, el comienzo de MTV, etc., etc.

Su punto más flojo son los chistes al estilo actual, escatológico y de gusto dudoso, por suerte son solo 15 o 20 minutos en total de una película muy disfrutable para quienes vemos con buenos ojos las costumbres e íconos de aquella década, y después de todo es un gusto que se revisen esos años sin su costado más reaccionario, casi todo lo contrario.

Y así llegamos al último grito de la moda ochentista, Los indestructibles, la película de la cual hace años que viene hablando su director, el astro del cine hecho a los tiros Silvestre Stallone (aún antes de arremeter con las continuaciones de sus dos sagas más famosas Rocky y Rambo), y que es casi el lado opuesto de la reivindicación de Un loco viaje al pasado.

La excusa es la reunión de las grandes figuras de las pelis de acción de los años ’80 (en este caso Stallone, Dolph “He-Man-Ivan Drago” Lundgren, Mickey Rourke - ¿fue un astro de la acción?-, Bruce Willis, y Arnold Schwarzenegger – aunque estos dos últimos apenas si aparecen, y Rourke no aparece mucho más), mezclado con algunos más actuales como Jason Statham y Jet Li; más las apariciones de algunas figuras de los ’80 que si bien no son astros siempre figuraban por ahí, como el caso de Eric Roberts y Steve Austin.

Todo esto nos lleva a que, por un lado el film se esfuerce más en mostrar actores y situaciones conocidas por los fanáticos que en contar una historia como mínimo creíble o entretenida.

Por otro lado, cuando se acordaron de la historia... uno empieza a pensar ¿por qué no hicieron alguna reunión conmemorativa en el living de algún programa de TV? Nos cuentan la historia de un grupo de mercenarios que son convocados por un agente de la CIA para intervenir en un país de Latinoamérica en el que deben derrocar a un dictador tirano supuestamente “bancado” por un traidor de la CIA, en fin...

Lo que sigue es una carnicería de más de hora y media que en realidad no hace recordar a aquel cine de Stallone, Lundgren y CIA (aunque, como dijimos ya existían y proliferaban estas tramas) sino a una película actual, muy morbosa, con violencia explícita, increíble en todo sentdo, y con un ritmo frenético que agota.

Eso sí, el mensaje queda claro, y es más o menos el mismo que se manejó sobretodo en la segunda mitad de los ’80, todo aquel ue no es estadounidense merece ser digno de sospecha cuando no “boleteado” con el mayor sadismo posible (se dieron cuenta que con films como Agente Salt los rusos volvieron a ser los malos). Latinoamérica es como una masa que no merece ser separada en países, bananera, con una sociedad sometida e indigente, y clamando por la ayuda de estos dioses musculosos que nos vienen a salvar. ¿Alguna vez los malos serán ellos mismos, reconocerán que un norteamericano puede hacer cosas “non sanctas” sin necesidad de ser un traidor al gobierno como en la reciente Green Zone?.

Lo que le queda a uno cuando termina de ver films como Los indestructibles (o los citados Agente SALT, Green Zone, o la próxima a estrenarse Unthinkable) es que en verdad pueden haber pasado 20, 40, o 60 años pero en verdad la idosincracia de los americanos (como a ellos les gusta llamarse) parece no cambiar nunca, después de todo, y sin querer ponerme en muy político, quien halla leído la doctrina del “destino manifiesto” y el “big stick” sabe que ellos estan destinados a llevar su sistema (disfrasado de paz) a todo el mundo; y viendo estos films uno ya sabe que le espera sino lo acepta.

Discusión aparte para considerar si estos actores a 20 años de haber pasado su gloria muscular no hacen un ridículo intentando interpretar los mismos roles una y otra vez como si el tiempo fuese eterno.

Una cierta mirada

2010-08-12T18:34:00.005-03:00

Y pasó julio... y otra vez me volví a retrasar con la reseña. Sucede que hay meses en los que la escasez de buen material fílmico hace que me cueste encontrar algo destacado para comentar, como venía retratando meses anteriores; pero en contraposición, hay meses en que pareciera que todo el aluvión de muy buen cine sale de golpe para sorprenderme, y así compensar (¿?).

Bah, todo esta cosa extrañísima viene en alusión a que en este mes no me podía decidir sobre qué película/s escribir, y hacerlo sobre todas hubiese sido imposible. Entonces pensé en atar la mayor cantidad posible sobre un hilo común... sin más vueltas, acá vamos.

Hace un tiempo, una publicidad nos decía que “la primera impresión es lo que cuenta”, ahora, ¿es esto cierto?, ¿qué importancia tiene la primera observación, tal vez prejuiciosa, que se hace sobre una persona? Reconocer que somos como nos miran los demás, y más en una primera impresión sin siquiera conocernos, sería reconocer que somos seres unidimensionales.

En El gusto de los otros de Agnes Jaoui (uno de esos films malditos que hace muchísimo quería ver y nunca podía), tenemos la historia de Jean-Jaques Castella (un excelente Jean-Pierre Bacri) un empresario casado, con una vida de por más rutinaria, y que como está por cerrar un trato muy importante cuenta con un guardaespaldas, además del chofer suyo y de su esposa. Para cerrar ese trato se decide a aprender inglés, y es ahí cuando conoce a Clara (Anne Alvaro) su profesora, también actriz no muy profesional; pero cuando Castella la vea en una de sus obras de inmediato quedará prendido a ella, casi como una obsesión.

La cuestión es que Clara no hace más que rechazarlo, lo ignora, lo desprecia, considera que es el ser más hueco del planeta, falto de delicadeza, fineza, arte... pero el hombre no se dará por vencido, y casi ni por enterado, y es así como se meterá en su ámbito, ira a ver mil veces su obra, se reunirá con sus amigos, hasta planeará financiar una próxima obra. Pero Clara no puede quitarse la idea que Jean-Jaques tiene menos cultura que un chiste verde.

Por otro lado, tenemos a Franck (Gérard Lanvin), el guardaespaldas, que comenzará una relación con Manie (la propia Jaoui), mesera y amiga de Clara; en apariencia muy distintos, ella parece liberal, no pretende una relación seria, sale con varios hombres a la vez (es más Franck la conoce por medio de Bruno, el chofer) y no parece ocultarlo; el guardaespaldas es lo opuesto, un hombre de ideas rectas, formal, hasta chapado a la antigua, al que le costará aceptar las ideas de Manie, y lo mismo con ella.

No hay que olvidarse de Angélique (Christiane Millet) la esposa decoradora de ambientes de Castella, ni de Bruno (Alain Chabat), y entre ellos también hay una relación o algo parecido como el entendimiento mutuo.

Sobre esta estructura de films de personajes sin un protagonista único, un film de realacions entrecruzadas, Jaoui nos habla de las apariencias; sobre como la idea que tenemos del otro puede hacer truncar las relaciones entre personas, no necesariamente relaciones amorosas. En definitiva habla de los prejuicios de todo tipo.

Con un ritmo agradable, llena de diálogos riquísimos y una excelente marcación actoral (además de un elenco sobresaliente), El gusto de los otros rescata lo mejor del estilo del cine francés, excelente comedia.

También en Francia se ubica El placard, la sobresaliente comedia del 2001 de Francis Veber.

Esta vez su eterno personaje François Pignon (Daniel Auteuil) es un empleado de una fábrica de derivados del caucho ignorado por todos, menospreciado, hasta por su propia familia. Un día se entera que la empresa piensa despedirlo, pero ese mismo día conocerá a un vecino solitario que le recomendará hacerse pasar por gay, salir del placard, y de esa manera la empresa no podrá despedirlo porque se entendería como discriminación.

Puesto en marcha el plan los resultados irán más allá de lo pensado, François no cambiará su forma de ser, pero una simple foto “comprometedora” hará que la mirada de los otros sobre él cambie, no solo no lo despedirán, sino que empezará a ser respetado, a ser tenido en cuenta.

Es más, Félix (Gérard Depardieu) un compañero de trabajo totalmente homofóbico, por medio de una broma que lo hará pensar que su puesto laboral peligra, se tornará extremadamente obsesivo con caerle bien a Pignon... hasta el borde de la locura.

De esta manera, Veber nos habla de los prejuicios, de las falsas impresiones, y como la mirada que los otros posan sobre nosotros puede definirnos en nuestra personalidad; el cambio de François comenzará una vez que los otros cambien su opinión sobre él.

Ya había comentado anteriormente que Francis Veber se encuentra entre mis directores favoritos, y esta considero que es una de sus mejores películas, llena de momentos desopilantes, personajes perfectamente delineados, y diálogos chispeantes; además traspasa el límite de la comedia de enredos para plantear c uestiones más serias como las señaladas.

Justo es decir que aunque el protagoniso es principalmente del excelente Daniel Auteuil, es el monstruo de Gérard Depardieu quien se traga la película con cada una de sus intervenciones, un personaje construido a su medida y del que el actor sabe sacar todo el jugo posible. No le van en zaga a estos dos grandes los aportes de Thierry Lhermitte, Jean Rochefort, Michel Aumont, y Michele Laroque todos perfectos en sus respectivos roles. En definitiva, una delicia imperdible.

Otro que tiene problemas de prejuicio es Rafael González (Guillermo Toledo) en Crimen Ferpecto, empleado de un shopping, playboy y mujeriego, es el principal aspirante al puesto de gerente... si no fuera por un compañero que parece conseguir mejores ventas. Todo se desbarranca cuando en una pelea, Rafael mate por accidente a ese compañero y al intentar deshacerse del cuerpo sea descubierto por Lourdes (Mónica Cervera) una empleada no muy agraciada que siempre estuvo enamorada de él, pero él nunca supo siquiera de su existencia.

Lourdes lo ayudará y encubrirá... pero a su vez lo chantajeará. Así, Rafael verá pronto su vida hecha un infierno, Lourdes se volverá cada vez más posesiva, todo hasta llegar a límites insospechados.

El delirante Álex de la Iglesia como director y guionista aprovecha este perfecto marco de comedia negra para mofarse de los prejuicios sociales pre-establecidos, de los cánones esquemáticos de belleza, y por qué no de la crudeza de las relaciones laborales.

Lourdes es realmente insoportable, obsesiva, con actitudes de lo más particulares... y para qué hablar de su familia. Pero a Rafael lo que más le molesta es que su reputación como playboy quede manchada cuando la sociedad lo vea con semejante adefesio, no puede soportar ver que su vida de soltero codiciado se vea acabada ante la presencia de alguien que lo obliga a sentar cabeza y llevar una vida rutinaria. Ahí está el punto en que de la Iglesia nos desafía a pensar cuál de los dos personajes es más horrible.

Lo demás es puro disparate, comedia negra, y humor grueso que nos lleva a una franca carcajada con escenas que quedarán entre las más ridículas del cine.

Toledo y Cervera su lucen en igual medida, pero se nota una gran marcación de parte del director que maneja a sus personajes a la perfección.

No conviene adelantar mucho de las peripecias que tiene la trama, es mucho mejor ir descubriéndolas y sorprenderse con esta gran comedia del mismo director de El día de la bestia y La comunidad.

Y Hablando de obsesiones, y volviendo a Francia (a esta altura se nota, y no solo por esta reseña sino por casi todas las anteriores, que soy incondicional del cine francés), este mes se estrenó al fin Las hierbas salvajes, lo último del genial Alain Resnais.

André Dussollier es Georges Palet, un jubilado, casado con una mujer mucho más joven, con un hijo que no le presta atención, hasta casi se puede decir que lo ignora, de una existencia decididamente gris. Su pequeña anécdota comienza el día que encuentra una billetera portadocumentos tirada en un garage. El objeto en cuestión pertenece a Marguerite Muir (Sabine Azéma), una odontóloga y piloto aficionado de avión que se mueve a todos lados con un atuendo y peinado muy similar a El principito.

La cuestión es que Georges se obsesionará con esa billetera y con su dueña, aún sin siquiera conocerla, quiere devolverla y sueña con el encuentro y hasta idealiza a la mujer. Cuando finalmente se logren comunicar vía telefónica, Georges verá que Marguerite puede no ser lo que él pensaba, pero igualmente buscará por todos los medios llegar al encuentro, comenzar una suerte de relación, no queriendo reconocer que esa mujer no es lo que él idealizó. Muy pronto esa obsesión se trasladará a Marguerite... pero es mejor no adelantar.

Un film verdaderamente inclasificable, mezcla de drama, comedia, suspenso (muy logrado), y film onírico, simplemente una película de autor.

Resnais construye un film que puede no ser para todos (aunque talvez estoy siendo prejuicioso), los personajes hablan del amor y de la dificultad de encontrarlo, de las relaciones de pareja, de las obsesiones, de las idealizaciones, y de esa chispa que despierte una vida apagada, y no solo la de Georges.

El clima que va construyendo el director de Corazones, Conozco la Canción – precisamente con guión de Jean-Pierre Bacri y Agnés Jaoui -, e Hiroshima mon amour entre otras grandes obras, va in crescendo hasta atrapar al espectador en una historia que no parece entrar en la lógica de la realidad, pero igualmente logra que no nos perdamos en ningún momento, que no nos dejemos llevar por las simples impresiones, y sigamos todo con gran interés hasta llegar a uno de los finales más extraños y enigmáticos de la historia del cine e igualmente con cierta lógica precisa dentro de esta película.

Excelente fotografía, manejo actoral, muy buen manejo del clima, y grandes interpretaciones de todo el elenco general, Resnais maneja una verdadera obra hipnótica. Uno sale del cine, sin entender del todo qué es lo que ocurrió allí, pero seguro de haber visto una gran film, una obra maestra.

Finalmente cuatro grandes filmes, cuatro películas sobre el peso de la mirada externa, y cada una desde un enfoque distinto... pero todas bajo un mismo punto de encuentro, la obsesión. La obsesión sobre el qué pensarán de nosotros, la obsesión puesta en etiquetar a una persona y no poder ver más allá del rótulo, la obsesión que nos lleva a idealizar un perfección un canon que sabemos que en verdad no existe ni en uno ni en el otro.

El fiasco de turno

Y si de secuencias oníricas se trata, este mes fui a ver El Origen, la nueva película de Christopher Nolan (Memento, Batman Inicia, Noches Blancas) protagonizada por Leonardo Di Caprio.

Debo decir que mis expectativas en verdad no eran muy altas, más que nada me decidió un encuentro de amigos... pero por lo menos esperaba pasar un rato divertido en la sala, no hay nada peor que los resultados aún más bajos que las bajas expectativas.

El Origen es promocionada desde hace por lo menos un año como una revolución del cine, como una experiencia sorprendente que va a cambiar la manera en que se utilizan y se ven los efectos especiales en la pantalla, como una enigmática y compleja trama que nos iba a volar la cabeza. Si, escuché todo eso, y aún el filme no se había estrenado, ni siquiera estaba terminado. Algo me hacia sospechar un fuerte entramado de publicidad.

Bueno, el último film de Nolan no es revolucionario, no tiene FX sorprendentes, su trama es bastante ramplona... y encima es tremendamente aburrido.

Pero ¿Qué es El Origen? Cobb (Leonardo Di Caprio) trabaja en una empresa dedicada a sacar datos relevantes de los sueños de las personas. Esto lo logran mediante un procedimiento que les permite crear sueños y meterse en ellos para así descubrir el dato preciso que se busca.

Cuando comienza la película, Cobb y compañía se encuentran en la cabeza de Saito (Ken Watanabe) un empresario de la energía eléctrica que luego les propondrá el trabajo máximo de su carrera, y el pase de salida para un Cobb al que cada vez le cuesta más diferenciar sueños ajenos de propios.

Este trabajo consiste implantar una idea, generar una idea a través de la construcción de un sueño. Específicamente instalarle a Robert Fischer (Cillian Murphy) heredero de una gran compañía competencia de Saito, que venda la misma y así disolver lo que podría ser un monopolio de energía.

Para esto, Cobb reclutará a una nueva ingeniera de sueños, Ariadne (Ellen Page), ya que el anterior cometió graves errores durante el trabajo en los sueños de Saito. Como Ariadne es una mente privilegiada, comprenderá de inmediato todo el asunto de crear sueños, es más, casi no habrá signos de sorpresa o confusión en ella (¿?).

Pero el trabajo de por sí no se veía sencillo, y lo que empieza mal... Pronto las cosas comenzaran a complicarse, lo que pueda salir mal saldrá mal, y entraremos en una interminable carrera contra el tiempo para lograr el objetivo, y salir con vida.

Por otro lado, Cobb tiene un asunto con su difunta esposa Mal (si la agregarían una A sería como la película) que más de una vez se cuela en los sueños construidos desbaratando todo y haciendo peligrar las misiones.

La historia peca de pretenciosa, parece todo el tiempo estar desafiándonos a que la entendamos, pero en definitiva no se trata más que un film de espías disfrazado de gran cosa, en verdad uno de espías bastante flojo.

Los efectos especiales, como dije, no son nada del otro mundo... salvo que alguien me asegure nunca haber visto gente volando en cámara lenta, personas caminando por las paredes, y edificios que se mueven como vehículos (esto se ve hasta en publicidades de bizcochuelo).

Lo llamativo es que, además de no ser un film sorprendente, es uno muy aburrido. La historia parece no avanzar, se enreda en situaciones que no tienen la menor lógica, y en pos de crear tensión se vuelve reiterativo y extremadamente lento, sobre todo en la última parte del film hasta arribar a un final que se pretende inesperado, pero que para toda persona un poco avispada se avecina desde la secuencia de títulos.

Por ahí escuché decir que luego de “inusitado” éxito de Batman, el Caballero de la Noche la Warner le dio carta blanca a Nolan para que creara la película que el deseara, y de ahí surgió El Origen. Lo llamativo, es que esta película no parece una película de autor, más bien parece un producto prefabricado en un estudio y que su resultado se hubiese conseguido en igual manera estando detrás de cámara cualquier ignoto.

La campaña publicitaria comenzó con un enigmático trailer en donde se sucedían varias secuencias oníricas, viendo el film completo, pareciera que nunca supieron desarrollar algo más allá de ese corto (que se resume en la única escena apenas rescatable del film en donde Cobb le enseña a Ariadne la mecánica de su trabajo).

A este film se lo compara con la taquillera Matrix, y si, las referencias son obvias (así como el hecho de que usen La vie en rose como canción para despertarse, en clara alusión a Cotillard como personaje, dah). También es obvia la comparación con el film de los Wachowsky en cuanto a la inmensa campaña publicitaria para disimular falencias... y si, en los resultados también es similar. Lamentable.

Ese amigo del alma

2010-07-18T19:05:00.001-03:00

¡¡¡¡ADVERTENCIA!!!! ESTA RESEÑA CONTIENE SPOILERS, SOPA FRÍA, ADELANTOS... O COMO QUIERAN LLAMARLO SOBRE TOY STORY 3

A pedido del público, bah, de una amiga en Facebook (Julia tus deseos son órdenes) aquí va una reseña completa y especial para Toy Story 3; ahora si, me voy a dar el lujo de contar algunos detalles y dejarles algunas preguntas para aquellos que la vieron (para así complacer a otro lector asiduo, mi hermano). Así que para los que no vieron la advertencia arriba y no vieron la peli, paren de leer esto ahora... salvo que quieran saber cómo termina.

Hecha la salvedad, bienvenidos aquellos que ya vieron esta maravilla. Antes de empezar, hagamos un recuento de cómo venía la historia hasta aquí: Todo se trata de los juguetes de un niño llamado Andy que vive en los suburbios, juguetes que cobran vida cuando ningún humano los ve. En la primer entrega, tenemos un cumpleaños en el que todos vigilan cuál será el juguete nuevo, en especial su favorito “Woody” un vaquero de apariencia añeja. Es así como llega Buzz Lightyear un astronauta, sensación de la TV y el merchandising, con la nueva tecnología... y que pronto se transformará en el nuevo favorito; ah, y además no sabe que es un juguete. Los celos de Woody haran que ambos se extravíen camino a una pizzería, y así deberán regresar a casa, aprendiendo el valor de la amistad y la cooperación, sobre todo cuando caigan en manos de Sid, vecino de Andy y destructor de muñecos. Al final todos regresarán, Woody comprenderá que puede compartir su título de favorito, Buzz que es más importante ser un juguete que alegra a su dueño que ser un guardian del espacio, y ambos descubrirán que tienen un nuevo mejor amigo.

Segunda parte, no hay salto temporal notable, comienza con una venta de garage en la que temen que algún muñeco desaparezca. Tratando de rescatar a un pingüino con rechinador, Woody caerá entre los objetos a vender y en las manos de un coleccionista dueño de una juguetería. Una vez en el departamento de este “hombre pollo”, y mientras sus amigos emprenden el rescate, el vaquero descubrirá que forma parte de una serie de TV con marionetas, de culto, y que junto con otros muñecos de la misma serie irá a parar a un museo en Japón ¿Es esto malo? Si. Egolatría, sentimiento de perdida, abandono, el valor de la amistad, y al final saber cuál es el verdadero destino de un juguete, ser amado por un dueño, un niño; así Woody y los suyos (los de la serie) decidiran escaparse y regresar con Andy, por lo menos hasta que crezca y los olvide, un destino que se descubre inevitable.

Así llegamos a la tercera entrega (los que quieran más sobre las anteriores vayan a la reseña del mes anterior), luego de un prólogo sobre el paso del tiempo desde la segunda entrega hasta aquí, vemos como Andy parte para la universidad, hace rato que ya no juega con los muñecos, y estos, en una memorable escena, hacen todo lo posible por que este los agarre y juegue con ellos aunque sea una vez más... no lo logran. La madre del niño lo amenaza, debe decidir qué hacer con sus antiguos juguetes, si los guarda en un altillo, se lleva alguno con él a la universidad como objeto de adorno, o los tira a la basura... o los dona a una guardería. Andy se decide por el altillo, pero confusión mediante, van a parar a la basura, y de ahí a Sunnyside, la guardería.

Una vez allí, y deprimidos por pensar que su dueño los tiró a la basura, descubrirán un lugar en apariencia perfecto, lleno de otros juguetes, y en donde todos los día decenas de niños jugarán con ellos... todo esto hasta que descubran que el “capanga” de la guardería, un oso que huele a frutas, les ha asignado el sector pre-escolar en donde los niños no saben cuidar a los juguetes, infierno.

Intentando volver con Andy, Woody emprenderá una aventura aparte, en la que terminará en casa de otra niña, Bonnie, alguien que ama tanto a sus juguetes como su otrora dueño... pero debe volver con él, y de paso rescatar a sus amigos.

De este modo, la historia nos permite conocer montones de personajes nuevos, los de Sunnyside, y los de Bonnie, y si algo se le puede reprochar a este film es que tanto exceso de personaje, no permite que algunos se desarrollen como quisiéramos y sólo se les de un vistazo.

A lo lago de su historia (15 años desde la primer Toy Story, y varios más antes del primer largometraje), Pixar ha ido no solo mejorando sus films en cuanto a la animación, sino que ha ido desarrollando cada vez tramas más complejas, con cada vez más capas narrativas y emocionales, y la saga en cuestión es un claro ejemplo. La historia del primer film es simple (lo que no quiere decir que sea inferior a sus secuelas, a esta altura ya las veo como un todo inseparables... como Star Wars, Volver al Futuro, Indiana Jones, o El Señor de los anillos), se presenta el conflicto del juguete nuevo, y de ahí se desprenden todos los incovenientes y emociones del film. Y sin dudas, este tercer film es el de trama más compleja (lo que no quiere decir mejor, si las pudiese separar diría que me quedo con el segundo), hay varias situaciones, hechos contados paralelamente; y si bien eso lleva al problema de exceso de personajes y falta de desarrollo en algunos, también es el que le otorga la mayor cantidad de aventuras, casi como una montaña rusa... pero con sentido, con historia.

También es el film más melancólico de la saga ¿Y de Pixar?, y aquí viene la primer pregunta. Desde la primer escena en el altillo con la llamada al celular, pasando por varios momentos de reflexion, hasta el momento en que Andy entrega los muñecos a Bonnie y les relata la historia de cada uno, el film puede tender a ciertos momentos... digamos sentimentales (bueno, sí, se me cayeron unas cuantas lágrimas ¿y qué?... hay quienes lloran cuando Di Caprio muere en el agua y eso es algo que se sabe que sucederá desde el minuto uno de Titanic), pero a mi parecer no son golpes bajos (entendiéndose como poner toda la carne al asador para presionar ese punto que más nos duele), sino escenas inevitables y manejadas con maestría y delicadeza... digamos que por lo menos no hay coro sinfónico durante esas escenas. Desde la primer película se venía perfilando este sentido en la historia, y ya en una tercera parte (realizada diez años después de su antecesora) se hacía imposible no contar qué sucedería cuando Andy crezca; por lo tanto me parece bastante lógico el tratamiento que se le ha dado al tema, nos entrega la emoción que todos (o al parecer casi todos) estábamos esperando desde el principio. Supongo que pensar si son golpes bajos o no, es cuestión de opinión particular de cada uno.

Después de todo, creo que prefiero algunos momentos sentimentaloides en vez de una historia que se mofa de todo, hasta de los sentimientos como si fuesen una cosa para chiquillos... como ya dije, creo que algunos se burlan de los que hacen las cosas mejor que ellos ¿envidia?.

Por otro lado, y la discusión más importante, está el final. En un principio Andy decide llevarse a Woody a la universidad, como adorno, amuleto, y el resto ponerlos en el altillo a la espera de ¿cuándo Andy tenga hijos propios?. Más tarde, Woody, habiendo pasado momentos de amor como hace rato no vivía, en casa de Bonnie, hace una jugarreta para que su dueño decida llevarle los juguetes (inclusive él) a esta niña, digamos se despide de su niñez ¿O ya se había despedido de ella cuando dejó de jugar con ellos?; y así comienzan una nueva vida al lado de una niña que los querrá como antes lo hizo Andy.

A mi me encantó, el cierre perfecto, con las palabras finales de Andy dándola la nostalgia necesaria al asunto. El tema es que mi hermano hubiese preferido que Andy conservara los juguetes, ya que, dice, los juguetes pertenecen a él, lo quieren a él como dueño, y no ve kla necesidad de resignar a ellos, ve como si Pixar se hubiese vendido ante un convencionalismo; los juguetes deberían aguardar en el altillo hasta que Andy los rescate para dárselos a su/s hijo/s, cómo un sentido de permanencia... o haberle encontrado un giro a la trama que hiciese que Andy todavía esté con sus muñecos, como por ejemplo que sea coleccionista, diseñador de juguetes, director de films experimentales en stop motion – vamos, ¿quién no quisiera ver una película sobre el malvado Dr. Tocino? -, o vaya uno a saber qué (los creativos son los de Pixar, no el espectador). Hasta lo compara con una pelí animada ochentosa (bueno es de 1990 pero que va) Las aventuras de Tosti, el tostadorcito valiente (no se admiten risas, seguro que todos la recuerdan) en la que varios electrodomésticos extraviados encabezados por no saben qué, van en busca de su amo que los abandonó. Mi respuesta esto es ¿Es lo mismo un electrodoméstico – por más simpático que parezca – que un juguete? ¿No nos habian dicho en la primera, y segunda parte de Toy Story que los juguetes estaban hechos para divertir a los niños, para que los niños los amen y jueguen con él? ¿No es lo que Woody le dice a Jesee cuando ella se siente abandonada por Emily, sino con ese pretexto la vaquerita no debería haberse ido con Andy, sino buscar a su dueña pese al rechazo que esta había demostrado al dejarla en un campo? Yo ya esgrimí todos estos argumentos, y no lo puedo convencer... no sé cuál es la opinión de ustedes, lectores.

Por último otra discusión, y aleatoria a la anterior, es la ausencia de varios muñecos de las dos primeras entregas, ya sea Betty la pastora, la pantalla táctil, o el auto a control remoto... claro que esto está explicado en que durante años, la mamá de Andy fue regalando algunos muñecos, o se fueron extraviando, cosa lógica, sobre todo en pos de lo que quiere mostrar la historia ¿O no? Ahí ya ni yo estoy tan convencido.

En definitiva esta tercera entrega vuelve a tratar los temas que ya fueron tocados anteriormente, la amistad, el sentimiento de abandono, el crecimiento, y por qué no, el sentido de la vida... de los juguetes. Y lo vuelve a hacer con la majestuosidad de las anteriores, y a la que Pixar nos tiene ya más que acostumbrado.

Como ya lo había señalado cuando el año pasado escribí sobre Up, sus historias no son simplemente relatos de dibujitos, van mucho más allá, y uno se las puede imaginar perfectamente como films de personas. Pixar demuestra que film de animación no quiere decir film menor. Otra persona, me ha señalado que tanto alabar a Pixar y criticar a Dreamworks demuestra que estoy centrado en la animación hollywoodense. La cuestión es que sí miro bastante animación llamémosla “independiente”, internacional, y hay cosas mucho más artísticas que Pixar, verdaderas obras de arte, ensoñaciones de la vista, tramas aún más complejas que un film tradicional... pero nunca vi que una trama se asemejara anto a la realidad, a los sentimientos humanos como lo hace Lassetter y compañía.

En cuanto a la animación estrictamente hablando, ya ha alcanzado un punto que parece inmejorable (aunque uno nunca sabe), sino díganme si Lotso no parece un oso de felpa en serio, o si el bebote no es como el que cualquier niña tuvo. Y la posibilidad de verla en 3D nos entrega la profundidad de escena y textura, más que el simple hecho de arrojarnos cosas a la cara, casi, casi, como si estuviésemos en una obra de teatro. Como ya lo había señalado antes, Pixar logró instalar otra película dentro de la lista de mis preferidas, y parece que szu genio no se agotara nunca.

Otro tema es el corto del comienzo, el que antecede a cada film de Pixar, en este caso Día y noche, en este caso una obra maestra... ba, como todos (o casi todos) esos cortos. En este caso nos cuenta la historia de dos personajes (muy similares al viejito de La pantera rosa o el de la propaganda de cotonetes), blancos, pero que en su interior uno nos muestra el día, y el otro la noche, como sentidos opuestos, como contraposición... hasta que llega el amanecer y ambos se encuentran en el mismo punto, y luego cada uno experimenta lo que vivió el otro; todo con un perfecto sentido de lirismo. Brillante.

La Comedia se hace de a dos

2010-07-07T16:05:00.004-03:00

Antes de empezar con el tema principal de esta reseña, quiero dedicarle unas líneas al tema del mes anterior, debo decir que he agregado un nuevo ítem en mi lista de películas favoritas, Toy Story 3 es una nueva comprobación de que Pixar es por lejos el mejor estudio de animación, y que esta saga es lo mejor de su producción. Otra vez el tema del abandono, de la soledad (si, es cierto, con un poco más de melancolía que las anteriores pero sin caer en golpes bajos), del valor de la amistad, de estar unidos hasta las últimas consecuencias; y mechados con un trepidante y excelente clima de aventuras... y para qué hablar de los personajes, los que ya estaban se enriquecieron, y hay una amplia variedad de personajes nuevos llenos de capas riquísimas. Si algún otro film (no solo de animación) logra igualar los primeros 10 minutos, y la secuencia que sigue, en el baúl del altillo, seguimos hablando (superior en emoción al comienzo de Up, y eso ya es decir muuucho).

Es verdad, Pixar es el único capáz de lograr que al minuto de empezado el film nos olvidemos que se trata de “una de dibujitos”, un gran film hecho y derecho (aunque mi hermano le achaque algo al final de la historia... claro que aquí no lo voy a comentar).

Párrafo aparte para el corto Día y Noche que antecede a la proyección, dos palabras, Obra Maestra.

Pero este mes el tema es otro, No puedo dejar de ver cine cumple 1 año de su primera publicación, y para festejar que mejor que la risa, y para risa que mejor que una comedia, y para comedia que mejor que hablar del DÚO cómico por excelencia; si, este número se lo dedico a Olmedo y Porcel.

Si bien ya habían estrenado películas juntos y por separado, las llamadas “películas del dúo” comienzan en el ’73 con Los Caballeros de la cama redonda (si bien aquí el dúo está acompañado en igual nivel protagónico por Tristán y Chico Novarro), y se afianzaría ese mismo año con Los doctores las prefieren desnudas.

No sé ustedes, pero ya el hecho de ver el anuncio y escuchar la musiquita clásica de la productora Aries me llena de emoción, y hasta cuando veo alguna de la misma sin que sea de ellos, siento como una desilusión.

Muchos dicen que estas películas no tienen punto de comparación con sus labores en los programas de televisión, que en ellos se los veía más frescos, espontáneos, menos atados a un guión; pero yo no veo la diferencia, las tramas de estas películas eran las simples excusas perfectas para que estos dos genios desplegaran todas sus armas de humor.

La fórmula era clásica, Alberto era (o pretendía/decía ser) el gran ganador, el que no perdonaba a la que se le pusiera adelante; y Jorge era el amigo compinche, un tanto más tímido, varias veces subestimado por su amigo, eso sí, ambos eran los reyes de la noche. Nadie tenía tantas anécdotas vividas durante largos momentos de farra (muchas veces momentos patéticos como ser embaucados por sus respectivas amantes, pero que ellos contaban como grandes hazañas); pero en esta hora y media, los íbamos a ver fracasar en el intento una y otra vez.

Al fin y al cabo todo se trataba de conquistar mujeres, de una competencia de conquistas, de poder alcanzar eso que sabían que no podían tener. Y la mujer como simple objeto del deseo, sin más pretensiones que esas; y aquella que tenía más pretensiones era una rayada; y el público no las tildaba de misoginia, cosa que no quiere decir que esté bien (así como también había mucha homofobia), pero así era la época. El hombre, aún muy poco agraciado, con labia podía conquistar sexualmente a la mujer que quisiera, que caería rendida a sus pies en un psicodélico frenesí; eso sí, sólo se trataba de sexo, ni hablar de sentar cabeza.

Y si hablamos de mujeres, la primer dupla femenina afianzada fue la de Ethel y Gogó Rojo, sin duda en total segundo plano respecto a los capocómicos, primero como esposas en Hay que romper la rutina, y un año después como objeto de infidelidad frustrada en Maridos en vacaciones; salvo alguna frase suelta, jugando a una extrema inocencia, la cuestión humorística era 100% de la pareja masculina. Es en estas dos películas donde mejor queda retratado el tema social de la frustración sexual, el hombre aburrido de la cotidianeidad que sale a buscar en el afuera (en el afuera del matrimonio) un escape, que lo haga sentir soltero otra vez, libre, sin ninguna atadura marital, ni laboral. La impotencia en su mayor expresión.

Luego llegaría la etapa del dúo femenino que les haría frente, en más de un sentido, el más recordado, la eterna disputa entre la rubia y la morocha pero vista desde la mirada del hombre, Moria y Susana, Susana y Moria... para que no haya problemas de cartel.

Lo primero que llama la atención, como dije, son los títulos, el cartel, los cuatro juntos a la misma vez, como para dejar en claro que no había protagonismos absolutos; y después las innumerables tomas (que a la vista del espectador hasta quedan descentradas) en donde se los incluía a los cuatro a la vez, todo apretado para que nadie quedase fuera de escena.

Y es con ellas con las que, para mí, hacen el trío de comedias insuperables, Expertos en pinchazos (esta con Moria sola), A los cirujanos se les va la mano, y Las mujeres son cosa de guapos. Es verdad que hay películas anteriores en las que trabajaron juntos, como Los hombres sólo piensan en eso (Olmedo, Porcel, y Giménez), El gordo Catátrofe y Te rompo el rating (Jorge y Moria), Amante para dos (Olmedo y Casán), y Mi novia el..., Basta de mujeres, y El rey de los exhortos – tal vez la de mejor argumento - (Alberto y Susana), pero estas tres ocupan un podio, el dúo explota al máximo su comicidad, las mujeres no se quedan atrás y tienen sus muy buenos momentos (a decir verdad, estas dos los tienen en todas las películas), y las frases más recordadas, aquellas que repito una y otra vez y que ya forman parte de mi vocabulario, pertenecen a ellas.

Después están el resto, en mayor o menor medida, más o menos logradas, películas de Porcel solo con un tono más inocente (que no por eso las hacía más flojas, tienen grandes momentos), Olmedo sólo con un toque más romántico (grandes películas las tres con Susana Giménez, no tanto otras como la co-producción con España Mi mujer no es mi señora o Susana – Traverso - quiere, el negro también! – película que ya es hora que alguien le reconozca ser el original que se plagió en Mujer Bonita, es igual pero más graciosa - ), y las dos de Olmedo con Tato Bores en un tono de comedia muy bueno, pero distinto al que se hacía con Porcel.

Después llegamos a principios/mediados de los ’80 en los que la dupla cayó en manos de Enrique Carreras... pero de eso me ocupo más adelante. Por suerte Olmedo pudo recuperarse a último momento de la mano de Sofovich con la sátira El manosanta está cargado, Porcel no tuvo la misma suerte.

Como dije, se les pueden achacar millones de cosas, eran misóginos, homofóbicos, se burlaban de las personas más serias, las películas estaban mal filmadas, los guiones eran incoherentes y resueltos de una manera antojadiza, las actuaciones tal vez no merecerían ningún premio (aunque eso habría que reveerse); pero cumplían con su cometido, son comedias, y yo las miro y no paro de reirme, tratan temas bien nuestros, imposibles de reproducirse en filmografías de otros países (lo más parecido, tal vez sea el genial Fantozzi italiano, pero en otro nivel, y en definitiva con otros temas); sin dudas son LAS comedias argentinas.

Después de todo, quién no soñó alguna vez con pasar, aunque sea una noche, en la piel de estos adorables perdedores. Sólo me queda por decirles gracias por tan buenos momentos.

El fiasco de turno

Durante su larga trayectoria cinematográfica, el dúo cómico de olmedo y Porcel logró imponer su impronta ante distintos directores, ya sea Hugo Sofovich (para mi, el mejor, el que mejor les sacó el jugo), su hermano Gerardo, Hugo Moser, o Enrique Cahen Salaverry; y así siempre salieron bien parados, con comedias geniales como las que nombre arriba. Pero en su última etapa, un director lograría doblegarlos, conseguiría lo impensable, uno creía que este dúo no podía perder su gracia, bueno Enrique Carreras lo logró.

Carreras ya era un director experimentado en filmar “comedias” (nótense las comillas) que no pasaban de un insufrible momento ñoño, historias que al minuto de arrancadas no veíamos la hora de llegar al ansiado cartel de FIN. Partiendo de que era el único que pensaba que su mujer, Mercedes Carreras, actuaba tan bién que merecía aparecer en todas sus películas, y con Olmedo y Porcel doblaría la apuesta presentándonos a sus insufribles tres hijas.

Uno no sabe si echarle la culpa a Carreras, o a quienes escribén los pobrísimos guiones, entre los que se encuentra Juan Carlos Mesa, alguien que ha sabido escribir cosas infinitamente superiores a estas películas, por lo tanto, para mi la culpa del algún modo la tiene este director que ya venía de filmar este tipo de mamarrachos.

Si en las películas anteriores el tema era dos tipos que se creían piolas e intentaban infructuosamente levantarse cuanta mujer se les cruzase; acá la cuestión era mostrarlos como dos tarambanas bonachones que se veían envueltos en situaciones sin ningún sentido (como estar en un liceo con alumnos de 40 a 60 años, o ídem colimba); y encima si antes todo era una excusa para que ellos desplegarán sus mejores gags, ahora ellos eran una excusa para mostrar una interminable catarata de intrascendentes números musicales; si hasta parecía que estaban al servicio de otros cómicos como Sapag, Gioia, Troiani, o Hugo Varela.

ES increíble cómo se puede pasar de hacer un año Las mujeres son cosa de guapos (probablemente la mejor de sus comedias), a realizar el año siguiente Los fierecillos indomables (probablemente su peor película... no, no, ese lugar lo ocupa sin discusión Sálvese quien pueda).

Todo lo bueno que tenían sus películas, aquí parecía haberse extinguido, la picardía fue reemplazada por un tono ATP, pero Porcel ya había filmado varias del mismo estilo pero con muchísimo mejor resultado. Las mujeres, que siempre fueron un punto fuerte, aquí ya no ocupaban un segundo plano, sino un cuarto, quinto, no veríamos un hombro o una rodilla ni por joda; y a lo último cuando Carreras quiso hacer su picaresca con Atracción Peculiar demostró que mejor seguía haciendo lo que venía haciendo.

Pero volvamos al punto principal de estas películas, lo que las hacía más irritables (y no me refiero a Sapag y su imitación archiconocida de Dante Caputo), lo que hace que cada vez que las vea en su repetición (porque encima estas son las únicas que repiten) quiera romper la televisión.¿Por qué dije antes que Sálvese quien pueda es la peor de todas las películas (y a esta altura creo que me engrané y ya no me refiero sólo a las de Olmedo y Porcel)? No sólo porque los dos “protagonistas” (nótese otra vez las comillas) casi no se cruzan en toda la historia, sino porque el verdadero protagonismo recae en María, Marisa, y Victoria (a quien antes se la conocía como “Chispita” ¿Será por el de Meteoro?) Carreras, los tres seres más insufribles que ha conocido la cinematografía argentina, en esta oportunidad como tres supuestas niñas (aunque hay algunas que ahí ya peinaban canas) que le hacen la vida imposible a Olmedo el nuevo novio de mamá Beatriz Bonnet. Describir la situación me resulta imposible, es como Mi pobre Angelito pero con mujeres que pasaron sus veinte y actúan como de cinco. Aquí el premio se lo lleva Victoria, la más joven, la que siempre hacía de adolescente “rebelde” con frases como “es un Buenudo, mitad bueno, mitad... boluble” más irritante que pasarse una cebolla por los ojos. Después la tenemos a María haciendo de sobrina paisana/paraguaya en El profesor Punk, o a María y Marisa en la peor

Simulación de risa de todos los tiempos (algo así como agarrarse la panza y retorcerse de arriba para abajo) en Los extraterrestres, simplemente imperdonable.

Es increíble como un sus once películas con el dúo, Carreras no logra sacarnos ni una sonrisa, salvo alguna de desesperación. Dentro de lo más rescatable encontramos Los reyes del sablazo, por el simple hecho de ser la adaptación de una come teatral clásica con los chistes clásicos de la obra y no mucho más; y el estilo Kitsch de Los extraterrestres (después de todo el alien de Las locuras del extraterrestre era más berreta).

Lo lamentable, es que sea por la causa que fuese (la muerte trágica de uno, el fin de una era o la depresión para otro), este dúo terminó su carrera filmando este tipo de películas, en las que sí, se los veía obligados a decir parlamentos que se sabían sin gracia. Y más aún, que estas películas terminaron opacando a las anteriores, y cuando muchos se refieren a que las películas de Olmedo y Porcel no son tan buenas como los sketchs televisivos en verdad se estan refiriendo a estas, las que repiten una y otra vez en la tarde de un domingo; de las otras, las geniales, cada vez van quedando menos rastros, una lástima.

No se olviden de pasar por la encuesta al costado!!!!!!!!

En Julio se celebra

2010-06-27T19:20:00.004-03:00

Este mes sobran los motivos para festejar, en lo personal la celebración es doble, por un lado estrené los 27 años, por otro me acabo de recibir como abogado (¿Cuántas posibilidades hay de que en un blog de cine se haga este comentario?)... pero lo más importante, lo que los incluye a ustedes, mis fieles lectores, es que hace un año nacía este sitio. Sí, No puedo dejar de ver cine cumple 1 año de vida, y como todo ser de 1 año, aún está en formación, por eso este cambio en el diseño y en el formato, lo que incluye nuevas aplicaciones (en la próxima entrega, no se impacienten).
Cuando empecé con este proyecto, fue un poco para despuntar el hobbie de hacer reseñas de películas, cosa que me encanta; pero principalmente para poder compartir mi pasión con otras personas, poder contar mis vivencias como fanático del cine a todo aquel que le pueda interesar y se sienta identificado; y si bien este no es de los blogs más visitados (ah, otro festejo es que en junio superamos las 1000 visitas), siento que ese deseo ya empezó a cumplirse, cada vez que recibo mensajes o correos sobre algún comentario hecho en estas líneas. Por eso, siento que este cumpleaños es de ustedes, los que deciden leer mis entradas, porque son los que me dieron ánimo para seguir escribiendo mes a mes, pese a las muchísimas dificultades que tuve para hacerlo. Ahora, ya no tendré los aprietos del estudio que dificulten la salida a tiempo; pero también empieza otra etapa, y Dios quiera que otras obligaciones, es por eso que mantengo lo dicho en mi primer entrada, no prometo regularidad, pero sí que siempre estaré ahí esperando cada principio de mes, o cuando pueda, para poder compartir algo nuevo. FELICITACIONES.

P.D.: Atenti, la foto del perfil va creciendo con el blog; y la de arriba, es un cumpleaños mio, no es lo que parece...

Francia y los juguetes animados

2010-06-12T19:35:00.002-03:00

En este blog, que ya se está transformando en algo así como un foro no oficial de cine francés, voy a comenzar diciendo que finalmente logré ir al cine, después de un largo período de complicaciones a la hora de poder realizar esa actividad (bueno, los que siguen este blog saben de que hablo, y los que no, lean la entrada del mes anterior); ¿y qué fui a ver?, si, más cine francés (sino esta introducción no tendría lógica)... por lo menos amplié mis horizontes y además de una comedia, vi un drama francés.

Las películas en cuestión son Dos en uno, una simpatiquísima comedia con Daniel Auteuil, a la que ya me referí anteriormente, por lo que solo voy a decir que es otro gran acierto de la filmografía de ese país, y específicamente de este versátil actor; si pueden conseguirla en DVD (porque de las salas ya voló) no pierdan la oportunidad.

La segunda, el drama, es El padre de mis hijos, coproducción franco-alemana, uno de esos excelentes films intimistas que solo los europeos saben hacer. Con pequeños detalles nos cuenta la historia de un productor de cine, de otrora éxito, pero ahora caído en la desgracia económica, la cual parece llevar al ineludible final de la productora. Por otro lado, su familia, su esposa y sus tres hijas (con una gran labor infantil de las dos hijas menores). Para algunos, en gran parte de la película no sucederá nada, transcurre con una extrema cotidianeidad, pero es en esos detalles en donde el relato se destaca, en ver cómo este hombre y las relaciones con su entorno lo van llevando a la desesperación, en una historia que no solo se puede aplicar al mundillo del cine, sino a toda esa vorágine del mundo capitalista. Gran dirección, grandes actuaciones, gran relato, excelente.

Pero no es de estas películas que quiero hablar, el título de esta reseña se refiere a la animación, y ciertamente ninguna de estas dos películas son de animación.

Junio de 2010 parece ser un mes importante para mi, no es porque cumplo 27 años, no es porque aparentemente me recibo de abogado (y otra vez la disyuntiva de ¿qué catzo hace un futuro abogado hablando de cine?), sino porque finalmente se estrena la tercera entrega de una mis sagas favoritas (no, Episodio III ya se estrenó hace mucho), me refiero a Toy Story 3, y las ansias por poder finalmente verla en la semana del 17 de junio, me llevan a querer rememorar las dos entregas anteriores.

En 1995, Toy Story, revolucionó el mundo de los largometrajes de animación, siendo el primer film de animación por computadora (o por lo menos así es considerado), con una estética que le otorgaba más realismo que la animación tradicional. Pero, para sorpresa de muchos, no fue eso solo lo revolucionario de este film, sino el relato en si, el qué y cómo se cuenta, lo que abriría una brecha para los considerados films de animación para chicos y adultos (y que luego Dreamworks deformaría con Shrek en films de animación para adultos que, tal vez, disfruten los niños, pero que es más factible que queden excluidos).

Este primer largo de Pixar/Disney nos cuenta la historia de un grupo de juguetes que vive en la casa suburbana de un niño llamado Andy; y particularmente la historia de Woody, un muñeco vaquero (del que claramente se nota es de varios años, aspecto que se desarrollará más en su secuela), el consentido de Andy, el que se lleva para dormir.

Todo comienza el día de cumpleaños del niño, los juguetes montan un complejo operativo para saber cuáles serán los regalos (de hecho, si habrá algún muñeco nuevo), y es ahí cuando aparece Buzz Lightyear, o mejor dicho, el muñeco de Buzz Lightyear, un astronauta sensación de la TV y el merchandising del momento... y que pronto acaparará la atención de Andy, en desmedro de Woody. Ahí está el problema, los celos, pasar de ser el preferido a ser uno más, a volver otra vez a la caja con todos los juguetes; ah, y algo más, Buzz todavía no sabe que es un juguete, se cree el verdadero guardián espacial. Todo esto llevará a una serie de complicaciones y escenas dignas del mejor film de suspenso, que desembocará en ambos juguetes extraviados en el camino, y su largo camino a casa, tratando de no caer en las manos de Sid, el niño destructivo vecino de Andy.

Con una gran gama de perfectos personajes secundarios (el resto de los juguetes), que hasta logran acaparar la atención por sobre los protagonistas – mi preferido es Ham - , una historia contada sin subestimar a ningún espectador (ni a los niños ni a los adultos que encontrarán millones de guiños), y detalles y temáticas que hasta ese momento no se habían presentado en el cine de animación, por lo menos hollywoodense.

Punto aparte para la cuestión técnica, más que sobresaliente, un detalle en las texturas de los personajes y los ambientes que ningún otro film había alcanzado, y que al día de hoy tampoco lo ha hecho (con excepción de su secuela, claro está, y de otra producción que comparte director, Cars).

¿Hace falta decir que es una de mis películas favoritas, y no solo de animación? Pero si bien es de mis preferidas, no es la que más me gusta, ni siquiera en cuanto a cine de animación, porque ese lugar lo ocupa la segunda parte.

Tirando abajo eso de “segundas partes nunca fueron buenas”, Toy Story 2, tercera producción de Pixar – en el medio vino Bichos – es superior a la primera en varios sentidos, y eso que era complicado igualar – ni hablar de superar – la excelencia de la original.

Esta vez, tenemos a todo los juguetes unidos, en nueva casa, con el mismo dueño más crecido, al igual que su hermanita – antes un bebé -, y un perro babeador. Aquí el tema es el paso del tiempo, la madurez de los humanos, que va dejando de lado la adoración por los muñecos. Y así a cosa comienza con una venta de garaje, a la que irán a parar varios juguetes olvidados, y entre ellos, por accidente en pleno plan de rescate, Woody, que caerá en las manos de un ambicioso coleccionista ( o mejor dicho un vendedor de artículos para coleccionistas), también dueño de una juguetería ( a la cual, si prestan atención, en la primera entrega ya se hacía mención).

Entonces, Buzz y compañía deberán ir al rescate, y otra vez volverán a enfrentarse a la dura calle, a los peligros que ella presenta para seres tan pequeños como ellos.

Y por otro lado, Woody conocerá su origen en una serie de marionetas de la TV en blanco y negro, y se harán presentes los muñecos compañeros de aquel programa (Jessie – una vaquera -, Oloroso Pette – un granjero – y Tiro al blanco – un caballo - ).

Ahí estará el hilo de la trama, ¿volver a la casa de un niño que prono lo olvidará, o pasar a la posteridad en un museo de Japón?; pero además muchísimas otras cuestiones, como el ego, los problemas familiares, otra vez el juguete que no sabe que lo es, la amistad, y mucha, mucha aventura.

Es en esta película donde más grande se hace la diferencia con los films de la factoría Dreamworks; por un lado la gente de Lasseter parece querer rescatar la inocencia del mundo infantil, estos juguetes intentando aferrarse el mayor tiempo posible a la infancia de sus dueños (la canción de Jessie, junto con el comienzo de Up – también de Pixar – forman las escenas más desgarradoras del cine en mucho tiempo); mientras que Spielberg (¿por qué, por qué Steven?), Katzemberg, y compañía, pareciera que pretender hacer crecer a los niños de golpe, el mensaje se entiende como “terminar con la inocencia”, los cuentos de hadas no existen, Pinocho es un gay fetichista, los peces pueden ser fumones, las princesas ya no son femeninas, los travestis están de moda, ser esquizofrénico es simpático, etc., etc.

Toy Story 2, superior en trama (repito ya la primera era excelente), en descripción de personajes, y en calidad de animación ( los cuatro años no pasaron en vano para esta productora que vio sus orígenes dentro de Lucas Art – el tío George no podía faltar en el medio - ). Otra vez un relato que fascina a los más pequeños, y con un montón de guiños para los adultos.

Sencillamente sin palabras, mi película de animación favorita, y solo superada por Star Wars en cuanto a mis preferencias de cine en general.

Y ahora, once años después, los juguetes vuelven al ruedo – ya nos estuvieron precalentado a principio de año con la reposición de ambas en 3D - , esta vez parece que se han trasladado a una guardería, ya que el día tan temido parece haber llegado, ¡Andy ha crecido!.

Desde mi parte, no veo la hora que la tercer semana de junio por fin llegue.

Acá les dejo algunos links para que disfruten los fanáticos, y vayan saboreando:

http://www.disneylatino.com/peliculas/cine/toystory/

http://disney.go.com/toystory/

http://www.pixar.com/

El fiasco de turno

Hace ya un par de años, se viene formando una tendencia de realizar películas sobre superhéroes, pero enfocadas en sus, digamos, flaquezas; o mejor dicho, historias sobre gente común que, o bien un día decidieron salir a combatir el crimen de una manera no tradicional (no, no es que se unen a la Policía Metropolitana, eso sería si se conformasen con multas de tránsito), o recibieron un superpoder especial. Ejemplos de esto encontramos en Hancock, o las más recientes Defendor y Kick Ass, en una tradición que podríamos decir comienza con SpiderMan.

Como no podía ser de otra manera (¿o no?), Argentina no se iba a quedar atrás, y es así como tenemos nuestra promocionada “primer película de superhéroes”... aunque viendo los resultados, creo que los entrañables Superagentes o la Brigada Z tenían mejores cualidades.

Zenitram, comienza con un basurero, obviamente desalineado (no porque tenga algo contra estos obreros, sino porque la película no se ahorra un solo cliché), dejado, ignorante, borracho, y drogón. Un día se encuentra en un baño público con un personaje casi tan desalineado como él (cliché de ¿bohémio?) que le anuncia que si pronuncia su apellido al revez, podrá volar. Claro, al intentarlo (seamos sinceros ¿Quién desoiría una propuesta tan lógica?) no lo logra, y luego de varios intentos, lo pronuncia, como diría mi hermano, cachándose las pelotas (porque los argentinos somos tan desagradables que vivimos manoseándonos la entrepierna), y ahí si, vola. De ahí en adelante se calza un traje muy holgado y con los colores de Boca (si, si, clichés, clichés y clichés)y sale a combatir el crimen, o algo así, y se topará con un político inescrupuloso (no se olviden da la palabra clave “CLICHÉ”); eso sí, sin dejar en ningún momento los hábitos, supuestamente, de la clase obrera, o del argentino medio, o vaya a saber uno qué. Fin de la historia.

¿Hace falta decir cuál es el problema de esta película?... bueno, esta bien, empecemos.

Primero, la trama, el argumento, o como quieran llamarlo; para dejarlo en claro, tengo una peliculita en Cine Graf (aquel proyector de juguete) llamada Jerry, el muchacho atómico cuyo desarrollo es mucho más complejo. Es terrible, por ahí pensaron en una historia como para que la entendiera el protagonista de la misma, sencillamente una estupidez, y encima ¡¡¡¡¡ni siquiera está bien resuelta!!!!!, tiene baches impresentables.

Mejor ni hablar de diálogos, mi primita de cuatro años los podría haber hecho más complejos y creíbles. ¿Un ejemplo? “Es un pájaro, es un avión, no, es Zenitram en pedo” y así...

Siguiendo con la historia, pero en otro punto, es insultante... y dale con considerarnos los peores ciudadanos del mundo. La película se encarga de dejarnos bien en claro que este es el superhéroe que Argentina se merece, o sea, que no nos merecemos un superhéroe sino un pelotudo.

Es más, hasta lo dijo el propio director en una entrevista en que le preguntaron cómo resolvería el tema del vuelo, simplemente dijo que volaría como todos nos imaginamos que volaría un superhéroe argentino, el resultado es similar a una representación de viaje alucinógeno (claro, inducido por estupefacientes, dah); yo no debo ser argentino, porque pensé que un superhéroe vuela en serio, sea de donde sea, pero bueh.

Por momentos (muchos momentos, mucho más de lo necesario), la película parece ser hecha por la producción de un programa de Rolando Graña, o la gente de Policias en Acción; o alguno de esos directores del llamado “nuevo cine argentino” que se dedican a mostrar las miserias de la clase pobre.

Irritante por donde se la mire, sin querer adelantar nada, la película ni siquiera ofrece una redención, simplemente pretende que nos riamos (ah, porque en verdad, es una comedia, aunque uno no esboce ni una sonrisa, sino varios bostezos) de lo mierda que somos, lo asqueroso de nuestras costumbres, y sintamos vergüenza de nuestra vocabulario. Si, paren de reírse, ya sé que es graciosísimo.

Ahora estoy recordando un capítulo de mi querido Chapulín Colorado en que el héroe debe resolver un conflicto que también pretende resolver una suerte de Superman/Tío Sam yanqui; claro que el chapulín se manda de las de él una tras otra, pero igualmente sale bien parado ante el pedante estadounidense, además bastante inepto, al que se lo muestra lleno de incultura... si lo recuerdan, Zenitram es todo lo contrario.

Volviendo al comienzo de esta reseña, se están dando varias muestras de estos superhéroes lejos de ser perfectos, pero a diferencia de este bodrio putrefacto (si, simplemente la detesto), pretenden un estudio si se quiere, social, de la figura del superhéroe.

Por ejemplo, Defendor, con el crítico Woody Harrelson, trata de un obrero con algunos problemas psicológicos (por no decir psiquiátricos) que de la nada, decide salir a combatir el crimen con armas tan elementales como caños y linternas; pero aún así la historia demuestra un estudio mucho más complejo, y trata el estúpido patriotismo de la población “ultraderechista” norteamericana.

Kick Ass, gira alrededor del tema de la violencia de esa sociedad, la sociedad de consumo, y la obsesión por encontrar un salvador o algo similar; se preguntan ¿Por qué, hoy día, nadie quiere ser superhéroe?; y todo alrededor de un fanático de comics que sin poseer ningún superpoder decide actuar como superhéroe.

Bueno, la contraparte argentina, es simplemente una bobada, no hace ningún análisis, ni nada parecido, y parece decida a mostrarnos que los Argentinos, y nuestra clase política – que no surge de un repollo - , somos impresentables.

Lo más llamativo de esto, son los nombres que se esconden detrás de la película. Está basada en un relato de Juan Sasturaín, personaje contradictorio si los hay, se ve que tantos programas sobre banalizar cultura en Telefé (también productora del film) no le está haciendo bien.

También tenemos a un nieto de Héctor Germán Oesterheld (semidios del comic argentino, creador de Sherlock Time, Ticonderoga, Ernie Pike, Sargento Kirk, Mort Cinder, y claro El eternauta, entre otras) como productor; es más hasta la película tira un par de guiños para sus seguidores, pero en medio de algo tan pobre, más que un homenaje parece un insulto (¿esto ya lo dije, no?); sencillamente no se entiende.

Hablar de cualidades técnicas es inútil, se escuda en querer parecerse a un proyecto Clase B (que por las empresas metidas detrás es claro que no lo es), pero en verdad parece una película hecha por un grupo de amigos una tarde de aburrimiento con la filmadora casera del viejo (falta que al final se cuele algún track del cumpleaños de la nona y listo). Lo único rescatable, son algunos pasajes con algo de animación o estética comic, y hasta ahí nomás.

Actuaciones, ¿tiene?, es imposible analizar este rubro en algo tan malo, lo lamentable es que cuenta con grandes nombres como Luis Luque o Daniel Fanego; y el ascendente Juán Minujín (Zenitram) no puede hacer mucho metido en un traje de superhéroe que, por lo menos le queda veinte tallas grande.

Nunca mejor dicho, este fiasco parece realizado (y de hecho lo és) por algunos medios que nos quieren mostrar que nuestra población no tiene salvación, y además, que no la merecemos... claro que si esa salvación viene de semejante estúpido yo también la dejo pasar.

Dela escasez de cine... y salas

2010-05-19T11:23:00.003-03:00

Antes que nada, quiero empezar pidiendo perdón por la tardanza en esta nueva entrada a más de 15 días de haber empezado el mes... pero mayo para mi siempre es complicado; mi actividad universitaria y la cercanía de los parciales me dejan poco tiempo para otro tipo de labores, llámese escribir este blog, o directamente ver películas (ya sé que esto se llama “No puedo dejar de ver cine”, pero a veces la situación es más fuerte).

Entonces, una de las razones por la que no escribía eran los exámenes; pero por otro lado, como dije, no estuve viendo demasiado cine, y tuve mala suerte en lo poco que vi, nada verdaderamente destacable.

Aún así, la falta de tiempo no es la única razón de la escasez de films; hay determinadas razones que han influido, y mucho.

En los últimos tiempos me he sentido interesado por el cine francés, particularmente por las comedias; pero lamentablemente sucede que poder ver cada una de ellas me representa una odisea, veamos:

Bienvenidos al País de la locura, a pesar de su enorme éxito en su país de origen, aquí no tuvo demasiada repercusión, se estrenó en varias salas... de las que rápidamente desapareció, y yo que no me había avispado. Por suerte esa vez me salvó la internet y sus películas online... con horrible acento español, pero la vi.

Más tarde llegó Mis estrellas y Yo, único estreno de la semana de navidad, en pocas salas, con poquísima difusión. Pero ahora no me iban a engañar, el 23 de diciembre, con los regalos ya comprados y el pavo a punto de cocinarse, fui al cine y logré verla; genial, la recomendé, mi hermano quiso verla, y por esas cosas de la temporada baja, a la próxima semana lo logró... en una sala pequeñísima, había que dejarle lugar a Avatar.

Hace un mes llegó La gran fiesta de Cocó, por fin, luego de un montón de amagues en su estreno; previamente me había asegurado de verla online, y como me encantó, cuando se estrenó en salas, al día siguiente concurrí, aunque los que siguen este blog sabrán que no todo salió bien (sino lean la entrada del mes pasado).

Ah, me olvidaba que a la semana de estrenarse Mis estrellas y Yo, se había estrenado Cena de amigos, junto con la Cámeron; pero como estaba con los preparativos vacacionales, me fue imposible verla, y a la semana voló (y ni hablar de verla en salas costeras); por suerte mi querido y compinche hermano pudo hacerse un rato y me comentó que es muy buena: Eso sí, la de los habitantes de Pandora pude cómodamente verla cuando volví de las vacaciones y en una sala enorme.

Y todo esto me lleva a la situación actual, hace dos semanas se estrenó Dos en uno, hace desde mediaos del año pasado que prometían su estreno todos los meses, y nada; y ahora al fin... la misma semana de Carancho con el vanagloriado Darín y Pesadilla en la Calle Elm; a una semana posterior de Iron Man 2, y una anterior a Robin Hood . Pero justo era semana de parciales, venía acumulando (y sigo de hecho) muchas semanas de no pisar una sala; y entonces, me dije, espero una semana y el viernes 14 me despacho, ya había planeado ¡cuatro! Películas en un día, era una verdadera hazaña... pero el 13 hubo cambio de cartelera, y Dos en uno simplemente desapareció, o casi, quedó únicamente en dos salas en pleno microcentro a muy pocas cuadras una de la otra, y en pocas funciones. Y yo me empaco, es todo o nada, quieren obligarme a no ver Dos en uno, bueno estaba dispuesto a dos horas y media de viaje para poder ver específica y únicamente la película del argelino Daniel Auteuil, pero no contaba con un paro de trenes que truncó todo proyecto, y así me quede sin nada y escribiendo este blog con muy poca renovación cinematográfica desde la última vez que lo hice.

Ahora, hay algo que no entiendo, de parte de los propietarios de salas, es lógico que quieran darle más espacio a tanques que van a llevar mucho más público, esta bien. Pero las distribuidoras, a veces me pregunto si lo hacen a propósito, tienen estos films en una espera permanente, lo promocionan varias veces y no concretan su estreno, y cuando finalmente lo hacen, resulta ser en una semana apretada entre varios tanques (lo que lleva además a poca cantidad de salas), o a semanas en las que se sabe que solo un loco como yo iría al cine.

Para consolarme, mi vieja me dice, “no te preocupes, después la conseguís en el videoclub”, si claro, en el videoclub que trae las películas que nadie trae y que queda en... mejor me guardo las malas palabras; o por ahí en el cable, eso sí, si no se tiene un canal premium es mejor olvidarse.

Yo tomé las comedias francesas como un botón de muestra, pero esto es lo que sucede con muchos films que no encuentran lugar en la cartelera, o que lo hacen escuetamente, como si se nos hiciera un favor para poder verlas en una sala.

Después, claro está, el problema de los que vivimos del otro lado de la General Paz, no tenemos ninguna posibilidad de ver este tipo de películas, ya no existen las salas de barrio, y los megacomplejos no están dispuestos a ponernos films que hagan que sus espectadores no compren pochoclo o compre cualquier chuchería en el shopping en cuestión; salvo que uno esté dispuesto a varias horas de viaje, y a pleno día, porque a la noche nos quedamos sin transporte... o por qué se creen que ni hablo del BAFICI.

Es lo que me pasa, así me deja el no poder ver cine, decidí que era mejor contar mi descontento ante la situación de un cine no abierto a las grandes mayorías (aunque, vamos, tampoco es que las comedias francesas sean “cine arte”, pero es así), que reseñar algunos de los insignificantes films que pude ver.

Por suerte no todas son pálidas, y mayo tuvo una noticia cinéfila que me alegró, volvió Filmoteca, temas de cine a la pantalla de la TV Pública, así que por lo menos, todo lo alejado del cine que estuve durante el día, lo recupero a la medianoche de la mano de Fernando Martín Peña y Fabio Manes y toda esa gama de grandes films, de los cuales no hago reseñas porque sería inútil después de escuchar a estas dos bibliotecas vivientes del cine, un aplauso para ellos y para la pantalla de Canal 7 que sigue mejorándose. Ahí también sucede algo parecido a lo anterior, ¿en qué otro canal puedo esperar ver la calidad de films que pasan en Filmoteca y el posterior Cine para todos?; pero sería empezar otra vez con lo mismo.

El fiasco de turno

2010-05-19T11:08:00.001-03:00

Y como si la nota anterior no hubiese sido bastante negativa, acá estoy otra vez para hablar mal de una película, para recomendarles de qué título deben huir, o por lo menos a mi parecer, ya que este “Fiasco de turno” es especial, porque se trata de una película que por lo general ha tenido buena aceptación, pero a mi simplemente no me gustó.

Hacía ya tiempo que venia escuchando hablar bien, y hasta me la recomendaban personalmente, de una película de 1997 llamada Funny Games, una especie de hito del cine de terror proveniente de Austria, y que, según muchos, junto con Scream, Vigila quien llama habían logrado darle un nuevo aire al alicaído género. Pero esa película nunca se había estrenado en mi país, y me resultaba realmente difícil conseguirla.

En el año 2008, su director, el gran Michael Haneke (La cinta blanca, La profesota de piano) realizó una remake para EE.UU. con idéntico título, pero que tampoco se estrenó por estos lares.

Por lo tanto, cuando finalmente logré enganchar esta segunda versión en la TV por cable, mi expectativa era bastante grande... pero los resultados no acompañaron.

Cabe aclarar que ya conocía la intención que el provocativo Haneke había tenido al contarnos esta historia, mostrarnos violencia extrema y situaciones límites para demostrar el gusto por lo sádico (como reza su título en castellano Juegos Sádicos) de la platea, sobre todo estadounidense, o sea generar cierta repulsión adrede, es más hasta los personajes varias veces le hablan al espectador preguntándole si quieren ver más, o consultándonos sobre sus próximas actuaciones carniceras.

La historia nos cuenta de un matrimonio tipo con un hijo que decide ir a pasar un fin de semana a una casa alejada en un country isleño. Todo marcha bien hasta que en la casa se presentan dos adolescentes vecinos que, primero buscan cualquier excusa para no retirarse del hogar, y luego pasan a someter a la familia a todo tipo de vejaciones sin explicación alguna, casi casi por entretenimiento.

La premisa prometía, era algo básico, muy al estilo hollywoodense, pero para mostrarnos lo violenta que es esa sociedad y lo brutal que es su forma de divertimento. Ahora el problema, para mi, pasa especialmente con este segundo punto.

Yo no sé si es que la película la vi fuera de tiempo (aclaro que luego vi la versión austriaca como para quedarme seguro de que no era problema de una adaptación yanqui) o que mis expectativas me engañaron, o realmente soy una persona muy violenta; pero realmente no encontré nada que no se viera en una película media, y muy por debajo de títulos como El juego del miedo, Hostel, o las francesas Alta Tensión o La frontera del miedo.

Ahora eso estaría bien, hasta podría agradecer el hecho de no ser una hora y pico de torturas sin fin y sin sentido; pero la cuestión es que la historia ni siquiera me produjo cierta sugestión, nerviosismo... y la verdad es que apenas si la seguí con interés.

Durante la primera media hora la película se sostiene muy bien, hay un clima de opresión perfectamente logrado, y todos sabemos que algo va a pasar... y que va a ser muy feo. La escena que con los jóvenes pidiendo huevos (ojo, literalmente una docena de huevos para la madre de uno de ellos) a Annie y cada vez se va poniendo más extraña, debe ser de las escenas más fuertes de la historia del suspenso, hasta llegar al límite de la tensión cuando finalmente develan sus intenciones. Pero a partir de ahí, la cosa se va diluyendo, se pierde esa tensión y va cayendo en baches narrativos que llegan a exasperar... del aburrimiento.

Sí, hay escenas con contenido fuerte, y hasta podríamos decir que se riompe uno de los “códigos morales” del cine de terror, pero más allá de eso, se cae en cierta reiteración, la cosa no avanza, y pareciera que se4 quedaron sin nada que decir desde el minuto’40; todo hasta llegar a un final supuestamente shockeante, pero ciertamente previsible.

Otro punto que juega en contra, es cierta inverosimilitud en las situaciones... y no me refiero solamente a los interminables monólogos que los asesinos hacen a sus victimas o a los espectadores. Los personajes de la familia pecan de demasiada inocencia, uno siente que más de una vez podrían escapar de ese calvario, y sin embargo, cometen error tras error.

Fuera de la historia, los rubros actorales en ambas películas están muy bien (pese a que Michael Pitt como asesino ya se transformó en un lugar común), realmente transfieren ese sadismo o temor que deben sentir sus personajes; al igual que los sobresalientes rubros técnicos manejados con luminosidad/superficialidad o crudeza según la ocasión, llegando al climax de la opresión. Aquí el problema no es el cómo sino el qué se cuenta.

En un momento, uno de los asesinos, durante uno de sus monólogos sobre la violencia, le dice a sus víctimas que no hay que olvidarse del factor entretenimiento; eso mismo debería saberlo Haneke (el cual cuenta con títulos mucho más fuertes), quien pareció tener una buena idea, pero no supo como resolverla durante más de una hora.

Por favor vean la película

2010-04-09T17:13:00.001-03:00

Hay días en que es mejor no salir de la casa; situaciones que parecen una conjunción de desgracias; esos días en los que uno dice ¿por qué a mi?.

Eso es lo que pasó hace dos semanas, cuando invité al cine a una muchacha, específicamente una compañera de la facultad.

Vale aclarar previamente que a esta señorita ya hace un par de años que la conozco, que desde el principio insistió con la idea de ir al cine juntos, y que recién ahora (y por el simple hecho de que son mis últimos meses en la facultad) accedí a su pedido; o sea que mis expectativas en realidad no eran muchas.

Salimos el viernes por la tarde (no quiso salir de noche porque le da miedo volver a casa a esas horas), la paso a buscar por su casa en la que vive sola (o con una amiga, no con sus padres), y de allí nos vamos al Village Caballito.

Antes de entrar al complejo ya empezaron los problemas, una promotora, de improviso, me ntrega unas tarjetas que resultaron ser de un hotel alojamiento; esto no sería nada extraño de no ser porque mi cita, al verlas deslizó un “me imagino que no pensas llevarme a ese lugar”, sorprendido, la mire y no dije nada.

A la hora de elegir la película, ella previamente me había aclarado que le gustaba el cine argentino; miro, y la única en exposición es La mosca en la ceniza, mi intención fue simplemente aclararle que el único film argentino que se estaba proyectando trataba de unas mujeres que eran traídas del interior engañadas para trabajar en un prostíbulo; claro que no me di cuenta que estaba en presencia de una dama casta (vestida con minishort y una remera de por más reveladora – por lo menos hubiese usado corpiño - ), y ante mi sugerencia me reprocho el hecho de querer llevarla a ver “ese tipo (¿?)” de películas en una primera cita. Aclarado el hecho de que solo fue un comentario de mi parte, elegimos algo más acorde a un alma tan pura como la de esta damisela, La gran fiesta de Cocó.

A esta altura yo estaba pensando dos veces cada palabra que decía, y mi cabeza ya decía que esto era un fracaso; pero aún no habíamos entrado a la sala, y a esto es a lo que quiero llegar.

Entramos a la función sobre la hora (no le gusta esperar sentada en las butacas), miramos nuestros asientos numerados y justo detrás había una pareja que tenía muchos temas para conversar... durante toda la película; un par de filas más adelante se encontraba una chica mandando continuamente mensajes de texto, y con la luz del celular apuntándonos y cegándonos directamente, haciendo caso omiso a la numeración de butacas nos corrimos un par de asientos, pero fue inútil, esa luz nos cegaba igual. Para este momento la gota de sudor más chica que corría por mi frente podía abastecer de agua al peor de los deshidratados; y en eso se escuchan unos murmullos que venían del hall, e abre la puerta e ingresa una horda de chicos que se ubicaron en las filas delanteras y terminaron de poner la frutilla en este postre infernal. Por lo que hablaban, que se escuchaba más que la película, querían ver Alicia en el País de las Maravilla pero no consiguieron entrada, así que se metieron ahí, pero parece que las comedias francesas no les gustan, por lo tanto se decidieron a correr por toda la sala, cambiarse quinientas veces de asiento, treparse a la pantalla cual mono rabioso, poner los pies sobre el respaldo de la butaca, arrojar distintos objetos al aire, tirarse un par de pedos, sacar fotos digitales con sus cegadores falsees, hablar a los gritos entre ellos y por celular, y cosas por el estilo.

Para hacerla corta, terminó la función, no le vimos el final a película porque evadimos un zapatillaso que apuntaba directo a nosotros, y cuando salimos al hall la chica que estaba conmigo (a esta altura ya no la llamo cita, ni nada por el estilo) me reprocha no haberla defendido como un caballero (yo, que precisamente no hable para no quedar como grosero), y ni bien termina de decir esto, salió corriendo como una despechada por todo el complejo; el espectáculo parecía denigrante, pero para este momento mi cabeza se había ido a otro lugar; fin del calvario.

Toda esta larga introducción me sirve para hablar de lo que reza el título de esta nota; por favor, vean la película; si van al cine que sea para ver la película elegida, y no para hablar como dos chusmas (existen bares o restaurantes, sépanlo), para enviar sms, hacer una sesión fotográfica, o relajarse como si estuviesen en su casa (cosa inentendible ¿Qué tiene de cómodo poner los pies sobre un respaldo mucho más alto que la butaca?).

Esto no es la primera vez que me pasa, y a estoy cansado de vivir situaciones incómodas que terminan arruinando ese momento mágico en que se enciende el proyector.

¿Es mucho pedir ver una película en el cine sin tener que soportar un pie descalzo rozándome la nuca, o un padre leyendo los subtítulos a su hijo siendo que hay funciones n castellano del mismo film, o una pareja realizando al lado mío escenas sexuales (y no en el fondo de la sala, siempre tomo a precaución), o personas que llegan tarde a una función y molestan a medio público tratando de ubicarse en los mejores asientos centrales, y una larga lista de etcéteras?

Ya sé que sueno medio cascarrabias, y sí, no soy una persona de carácter tranquilo, ante estas situaciones suelo saltar, con gritos o golpes... pero es que es algo inevitable si me pongo nervioso, ¡quiero ver la película en paz!.

Burguesía decadente

2010-04-09T17:08:00.002-03:00

En el medio de toda esta situación, había una película, La gran fiesta de Cocó, y por suerte previamente la había visto online.

Cocó es un popular personaje francés que Gad Elmaleh (Mi otro yo, Dama de lujo) ya lleva desarrollando en sus espectáculos de stand-up hace muchos años; y este es su salto a la pantalla grande. Por lo tanto, la película es él... y todo una gama de excéntricos personajes que giran alrededor suyo.

Todo empieza cuando el protagonista pretende organizar el Bar Mitzvá de su hijo que aún tiene doce años. Pero el tema es que Cocó no es una persona como cualquiera de nosotros, es un multimillonario arrogante, egocéntrico, excéntrico, y falto de todo buen gusto; por lo tanto no se conformará con una reunión para familiares e íntimos, sino que pretende llenar un estadio de fútbol con invitados, y declarar un feriado provincial para el día posterior.

La película nos muestra una serie de situaciones hilarante ligadas a este hecho; pero también se deja un lugar para la crítica y la sátira social mordaz.

En cierto punto la película tiene similitudes con Ladrones de medio pelo, una genialidad de Woody Allen; ambas contienen en sus historias la cotidiana vacua vida de la burguesía, acentuado aún más en el hecho de contar con el punto de vista de un “rico nuevo”, ese tipo de personajes incómodos dentro de un ambiente claramente ajeno, personas que aparentan tener una clase que no tienen, Tracy Ullman en aquel film, Elmaleh y familia en este.

Pero el hecho de ser un film francés (no norteamericano) le agrega un ingrediente extra, y es mostrar la adoración que la clase alta internacional le rinde a EE.UU., hasta mechando frases enteras en inglés para mostrar el ridículo de la situación. Gran comedia.

Por otro lado, se encuentra en cartelera otro film que también trata a la burguesía desde un punto de vista decadente. En este caso, la argentina Dos Hermanos, la más reciente película de Daniel Burman (El Abrazo Partido).

Es la historia de Susana y Marcos, hermanos, y empieza con la muerte de la madre. Susana tiene una pequeña empresa de bienes raíces, seña departamentos que luego no puede pagar; pero con una casa en Villa Laura, Uruguay, firmó un boleto de compraventa, por lo tanto ahora debe completar el precio, o perderá lo depositado. Para eso recurre a Marcos, quien vivía con su madre, le vende la casa familiar, y prácticamente lo envía a vivir al Uruguay.

De ahí en más la trama gira en torno a encuentros y desencuentros entre estos dos hermanos, una historia mínima que sirve como pretexto para hablar de las relaciones fraternales, y como ya dije de la decadencia de una clase social.

Susana es un personaje que vive fuera de tiempo, que no reconoce el hecho de ya no pertenecer a una clase social que una vez la cobijó. Un ser tan patético como adorable, capaz de colarse a un evento social para robarse comida y una botella de champagne que luego tomará del pico; como en determinado momento se lo reprocha su hermano, es un personaje que perdió gusto, una grosera.

Marcos, por su lado, es aquel reprimido que por primera vez se siente libre, que puede hablar por sí mismo; se ha librado de su madre, pero ahí llega su hermana para volver a taparlo, ara otra vez dejarlo en segundo plano. Villa Laura será su refugio, su lugar de encuentro consigo, mientras Susana no se cruce en el medio.

Una relación de odio, de amor, de repelerse, de atraerse, una historia de hermanos encuadrada dentro del patetismo de clase.

Decir si Graciela Borges o Antonio Gasalla actúa mejor que el otro, es imposible, son dos composiciones magistrales, dos grandes actores jugando a lo que mejor saben, la película es su juego, y como en todo juego los momentos de cruces son los mejores. Pero igualmente, quien gana la partida, sin dudas, es Burman, quien con un guión repleto de referencias y diálogos chispeantes, que combina la mejor tradición del grotesco estilo Doria/Langsner con mucha carga dramática, logra una puesta de escena llena de sutilezas y detalles que parecen menores pero no lo son; además por supuesto de lograr una excelente marcación actoral que no solo se demuestra en los dos roles protagónicos, sino en la rica gama de personajes secundarios. Un film para el deleite del buen cine.

En definitiva dos obras que nos muestran desde perspectivas distintas las flaquezas de una clase social extravagante, acostumbrada a aparentar. Larga vida al grotesco.

El fiasco de turno:

2010-04-09T17:05:00.001-03:00

Este mes estuvo bastante cargado de fiascos, pero de un par de ellos ya me referí en mi reseña de los Oscar; decidir entre Vivir al Límite, Preciosa, o Un sueño posible, cuál es peor, es una tarea casi imposible; si me garran a las apuradas diré que la peor es esta última por la cual Sandra Bullock se llevó un inexplicable premio a mejor actriz, una película hiriente llena de frases racistas y discriminadoras, que encima toma al público por idiota haciéndole creer todo lo contrario, penosa.

Entonces, me voy a referir a otro fiasco, en este caso uno argentino/español, estoy hablando de Tocar el Cielo, la cuarta película de Marcos Carnevale, una película que le rinde honor a la palabra bodrio.

Resulta que Facundo Arana vive en la Argentina y se casa de compromiso con una española para que esta pueda adoptar un niño. También vive en Argentina, su abuela paterna, China Zorrilla, una mujer de clase alta, simpática, y encerrada entre cuatro paredes.

Por otro lado, en España vive Chete Lera, hijo de China Zorrilla (y peleado con ella), y tio de Arana, quien a su vez mantiene una relación de amistad con Betiana Blum, especie de madre sustituta de Arana (ya que los padres de él, amigos de Lera y Blum murieron en un accidente).

A su vez, Lera, que es socialista, tiene una relación amorosa con una compañera de la facultad de su hijo, mucho menor que él; y hablando del hijo, este parece ser todo lo opuesto al padre, lo que causa conflicto.

Y no nos olvidemos de la esposa de Facu, quien viaja a un pueblito para que le entreguen un bebé, y una vez allí, la madre biológica parece arrepentirse.

Ah, y Betiana Blum tiene cancer terminal.

A esta altura, ante tanta enredadera de relaciones, acordarme del nombre de los personajes es imposible, así que, perdón.

La historia parece querer hablar de los lazos familiares construidos, aquellos que no vienen impuestos por a cosanguineidad, pero hace aguas por todos lados; por que son muchos personajes, porque sus relaciones son inentendibles, porque tiene problemas de audio, y encima porque no se ahorra ningún golpe bajo.

Ni siquiera la buena interpretación de Betiana Blum, y la breve intervención de China Zorrilla, salvan a esta película de hundirse en los más hondos pantanos del aburrimiento.

Y se ganó el Oscar nomás...

2010-04-02T12:29:00.004-03:00

Aunque tarde, muuy tarde, llego con mi apreciación sobre la última entrega de los Premios Oscar, los cuales se entregaron hace casi un mes.

Antes de empezar debo aclarar que mi relación con estos premios suele ser nula totalmente, nunca les preste demasiada atención, y las películas que suelen ganar, generalmente no son de mi agrado (salvo alguna que otra excepción).

Pero este año, hubo una particularidad que me lleva a escribir esta tardía reseña, y no es el hecho de que Argentina haya ganado como Mejor Película Extranjera, sino el hecho de que casualmente, terminé viendo todas las películas que estuvieron nominadas al premio mayor... y debo decir que el resultado fue similar al de otros años, veamos.

Es claro que los Oscar son los premios más importante (por lo menos para el común de la gente) por el hecho de ser otorgados por la mayor industria del séptimo arte, y desde ese punto de vista son inobjetables.

Pero por otro lado, si uno presta un poco de atención suelen ser premios, digamos algo hipócritas, y este año no fue la excepción.

Finalmente el premio a Mejor Película fue para Vivir al Límite, una película bélica sobre el horror de la misma en el conflicto contra Irak, y particularmente desde el punto de vista de un equipo de soldados dedicados a desactivar minas. Si bien por un lado parece criticar la decisión de ir a la guerra, el desamparo de los soldados, y el horror que sufren los mismos de una manera bastante cruda (lo cual, en definitiva no la diferencia de otras tantas similares y aún mejores) Por otro lado, cae en el tópico de toda película bélica yanqui, en mostrar el supuesto heroísmo de los pobres soldados, eso sí, estadounidenses; pone el acento en el hecho de que ya no es obligatorio enlistarse sino voluntario (simula cierta crítica por esto al desamparo pero termina utilizando como excusa para el “patriotismo”), y así... En definitiva, otra vez simulan una crítica cuando se están defendiendo a rajatabla.

No es casualidad que el premio se lo llevase este film (de cualidades cinematográficas... estándar) y no su más próxima rival Avatar, una verdadera sorpresa en cuanto a que una superproducción sea tan crítica del sistema de vida estadounidense; pareciera que en fondo a EE.UU. no le gusta ser criticado, y por eso se lo castigó a James Cameron con tan solo tres premios en rubros técnicos lógicos.

Avatar nos habla de unos Marines yanquis invadiendo una Colonia pacifista, similar a nuestros indígenas, en busca de un mineral precioso... y dispuesto a arrasar con todo con tal de lograr su cometido. En el medio escuchamos frases como que “nosotros (por EE.UU. no tenemos más que Blue Jeans para ofrecerles” y críticas al American Way of Life por el estilo. Decir qué me pareció Avatar sería redundante, hace dos reseñas a lo hice.

Luego de estas dos, mi mamá, la cual ya había comentado que era incondicional de Sandra Bullock quiso ver Un sueño posible, y mi impresión fue de una total indignación. Resumamos su guión en pocas palabras (no da para mucho más) un cuasi analfabeto negro con cualidades para el fútbol americano es apadrinado por una familia tipo, blanca, ultra conservadora, que lo ayuda en la universidad, y mientras este los ayuda a ganar todos los campeonatos, el negro triunfa en la vida, gracias a los blancos. Si, la película es eso; si, nominaron a mejor película eso; si nominaron a una película que bien podría haber sido producida por el canal Hallmark (por lo menos no le nominaron el guión). En una palabra, lamentable, un sueño posible... pero solo con a ayuda de la buena aristocracia, porque sino los negros solo sirven para jugar fútbol.

Sandra Bullock se llevó el premio a mejor actriz por este papel, ehhhhhh, no sé, si uno hace de uno mismo ¿le dan un premio? ¿no repite sus roles de atildada que en tantas películas románticas le hemos visto, pero en medio de un drama insultante? Suena más a premio trayectoria, pero bueh, una peli que defiende estos ideales taaan “americanos” no podía irse sin ningún premio.

Párrafo aparte para Quinton Aarón, el actor que hace del negro (perdón que suene discriminativo, peyorativo, pero es que la película es así e esquemática); una actuación digna de Kurt Russell en El último soldado tres palabras y dos gestos en toda la película, no sabemos si es por una mala performance del actor, o porque el guión así lo pedía para enfatizar más la idea de que los negros no saben hablar, es más, tal vez, ni siquiera sean humanos.

Otra fue Distrito 9, buen filme de Ciencia Ficción, filmada como si fuese un documental de televisión, o algo así; la única razón por lo que pudo estar nominada es por ese capricho de haber puesto 10 nominadas en lugar de 5, como era usual. Una interesante alegoría del Apartheid del África, pero en donde los marginados son unos extraterrestres que parecen salidos de Mimic, muy buena trama, algo desprolija; pero en el medio termina transformándose en una más de efectos especiales y acción.

Enseñanza de vida, la típica película pensada por y para ganar premios... pobre no gano nada. En pleno años 60, una adolescente es cortejada por un hombre mayor que le terminará enseñando “los valores de la vida”. Muy buena recreación de época con un clima excelente, muy buenas actuaciones, pero una trama a la que le cuesta levantar vuelo, por momentos parece una anécdota. Lone Scherfig, la de Italiano para principiantes, se nota algo encorsetada en este salto a las grandes ligas.

Bastardos sin gloria, Quentin Tarantino aggiornado, hollywoodense, parece esas películas de los Cohen con George Clooney (aquí Brad Pitt), delirante en su idea, como todas las de Tarantino, pero en definitiva correcta, no más que simpática.

Hablando de los Cohen tenemos Un hombre serio, la película de los Cohen de todos los años, por suerte el protagónico es para Michael Stuhlbarg (un actor de teatro, casi desconocido en el cine) y no para una estrellita. La película es él, muy buena actuación de paso, todas las penurias que sufre este hombre (la película es eso, una serie interminable de desgracias, con toque humorístico, una tras otra), en una historia muuy típica judía (si se quiere teoriza sobre la culpa), y que hace que los que no pertenecemos a esta colectividad nos sintamos un poco afuera. Repito, muy buen actor.

Amor sin escala, lástima a Jasón Reitman (Gracias por fumar, Juno) ya lo agarró la maquinaria de Hollywood, una buena comedia, hilarante, aguda... pero me gustaron más sus films independientes, más libres, sin la necesidad de contar con la presencia de un actor como George Clooney que hace que toda la historia gire alrededor de él. Ya no es la película de Jasón Reitman, es la última de Clooney.

Preciosa, otro argumento Hallmark style, eso sí, se debe agradecer que aquí no hay esa dicotomía negro bruto/blanco bueno, es la historia de una adolescente de 16 años que expulsan del colegio porque está embaraza de su segundo hijo, también fruto de una violación de su padre. Si eso les parece fuerte, prepárense para una escalada de bajezas, una madre que la trata peor que su padre (si eso es posible), como una esclava; una abuela que solo aparece para llevarse a la hija mayor que sufre retraso mental y a la que llaman Mongo, una asistente social que no se ocupa de lo que se tiene que ocupar, y así, cada vez peor. Solo encontramos respiro en la imaginación de Preciosa, que mientras es golpeada, o le avisan una noticia terrible, sueña con ser una gran estrella del Gospel. Muy dura, agobiante; pero a la vez aleccionadora, condescendiente, no se siente como algo real, más bien como un muestrario facilista de la situación de la clase indigente estadounidense; y eso sí, solo se ve un blanco indigente en la película, el resto son negros o latinos... no vaya a ser cosa que nos comprometamos en serio.

Y por último, la mejor, la que para mi debió ganar, Up, una aventura de altura, otra joya de la factoría Pixar de la cual ya hablé en la reseña de julio pasado; por lo menos le dieron el premio a mejor film animado. Las palabras sobran, Ex-ce-len-te. Pero claro, Hollywood no corre riesgos, y las únicas “capacitadas” para ganar son dramas que simulan ser profundos, o algún que otro tanque taquillero para variar.

Eso es todo, ahí están las diez nominadas, y la ganadora, los Oscar no cambian, Hollywood n o cambia, sigue teniendo miedo a lo novedoso, a que dejen de tirarles flores, a descubrir géneros nuevos... es Hollywood, LA gran industria, y como tal va a lo seguro.

Ah, El secreto de sus Ojos ganó como mejor film extranjero, buenísimo; gran film. También ganó el Goya; y espero que gane El Cóndor de Plata, Ojalá.

Los veo dentro de poco para mi reseña mensual.

De mis gustos personales

2010-03-04T13:56:00.004-03:00

Hay un refrán que dice “sobre gustos no hay nada escrito”; pero por otro lado, hay determinados asuntos sobre los que existe un ¿consenso? popular de que algo esta mal o es malo.

Por ahí viene el asunto, y como este blog es de cine, a eso me voy a avocar. Muchas veces presiento que tengo una predilección hacia películas que no le gustan a nadie, o por lo menos que comúnmente son considerados, por así decirlo, bodrios, o films de baja calidad.

El problema de eso es que se complica, por ejemplo, hacer un comentario en una reunión sin que nadie te salga al cruce.

Además, otro problema es que tengo un gusto algo heterogéneo, salto de films más artísticos y/o independientes, a productos más comerciales y regulares; de grandes producciones, a “berretadas” típicas de una filmación cacera, de temas profundos a los items más variados. Por eso me cuesta encontrar opiniones igualitarias, en un grupo de amigos, hablas de “Kurosawa” y te miran como si hablases de física cuántica; en un foro de cine, hablas de Alberto Lecchi, y te quieren expulsar... es complicado.

Todo esto me sirve como pie para referirme a tres ejemplos sucedidos en este lluvioso mes de febrero, un boton de muestra para hablar de heterogeneidad.

Por un lado, se estrenó Desde mi cielo, el opus más reciente de Peter “Frodo” Jackson, a verdad mi interés era escazo, pero cuando en la semana previa empezaron a lloverme críticas adversas sobre ella, no me pude resistir y corrí a verla. La verdad, no sé si fue porque minutos antes había visto Toy Story 2 3D (para qué reiterarme en tamaña obra maestra), o que, pero a mi la de Jackson me encantó.

Muchos le critican no ser para nada fiel a la novela original (reconozco que no la leí), que es muy melosa, que parece un pastiche de colores pasteles; sin embargo yo seguí su larga duración con mucho interés y sin poder despegar los ojos de la pantalla.

Al principio, nos cuenta la vida de Susie Salmon (Saorsie Ronan), una niña de trece años, en los años ’70, con toda la rebeldía que eso implica, su ámbito familiar, su escuela, su primer amor, su posible primer beso.

Pero ya sabemos desde el principio que será asesinada, por un vecino (Stan Tucci, irreconocible).

A partir de ahí, veremos como sigue la vida de la familia, y de cada uno de los personajes en los que ella influenció; todo visto desde el limbo, purgatorio personal, o como quieran llamarlo, por la propia Susie.

Con un fuerte arraigo en la relación padre-hija, lo que tal vez juega en contra al personaje menos elaborado de la madre; la película se desliza con mucha sutileza, con gracia, con suspenso, con drama (pero sin caer nunca en golpes bajos, y eso que la historia era muy propicia); y logra seguirse con mucho interés.

Peter Jackson, de quien uno, a esta altura, esperaría muchos efectos especiales, logra más que eso, unas puesta en escena hipnótica, una dirección de actores magistral, excelente fotografías y recreación de época (sin los clichés de siempre ), y los mentados FX, sí, estan (por algo tiene empresa propia) pero en un segundo plano.

En el rubro actoral, todos cumplen más que bien sus roles, pero destacan Ronan (por su presencia en pantalla), Stanley Tucci (un asesino/violador inolvidable), y alguien que nadie nombró, Susan Sarandon, que en un papel menor menor como el de la abuela, se carga la parte humorística al hombro, y logra salir más que aireosa.

Digan lo que digan, para mi fue una experiencia formidable.

Pasando al segundo ejemplo, por fin pude ver El frasco, una argentina estrenada en 2008, que se me escapó del cine, y que hacia meses tenía el DVD, pero no se daba la oportunidad. Debo decir que soy como un incondicional de su director, Alberto Lecchi, y eso es lo que lleva ala controversia. Para muchos es un director comercial, el típico director de televisión que salta al cine a realizar productos pre-fabricados. No se si están errados, pero a mi me encantaron todos (salvo uno, hay que decir) de sus films, un director que se mueve tranquilamente en las aguas de los géneros más variados, y siempre sale aireoso.

En esta oportunidad, y siguiendo relativamente la línea de su anterior Una estrella y dos cafés (pero en un tono más humorístico), nos cuanta la historia de Pérez (Dario Grandinetti), un conductor de ómnibus en un pueblo entrerriano; tímido hasta el extremo, algo torpe, y enamorado de Romina (Leticia Bredice) una maestra de escuela rural.

El asunto se plantea cuando Romina le pida a Pérez que lleve una caja (con un frasco de orina en su interior) a un laboratorio a la ciudad para unos análisis de rutina. Dos más dos son cuatro, y Pérez primero se olvida el frasco en un restaurante, y luego lo rompe. De ahí en más comienzan las sutiles complicaciones.

La película, a termino medio entre Historia mínimas y una romántica, es de una calidez que logra que nos relajemos y riamos ante la torpeza del sufrido hombre, y nos embelesemos con los magníficos paisajes captados por una excelente fotografía.

Las actuaciones son otro punto fuerte, Dario Grandinetti hace una gran composición con todo su cuerpo y gesticulación mínima para este Pérez atribulado; y Leticia Bredice realiza una parodia de maestra rural desopilante... ¿Ah, no es una parodia?... Bueno, Grandinetti está muy bien.

A mi parecer, otro gran film, de un gran director.

Por último, tras varios años de infructuosa búsqueda, logre ver, o a decir verdad, rever, La sustancia maldita, un opus ochentoso del prócer del clase B Larry Cohen (aquel de Está vivo).

Yo recordaba haberla visto cuando era chico alguna noche por el viejo Canal 11, y después desapareció, quedaron los recuerdos de algunas escenas, el sabor de la diversión, y nada más. Literalmente la busqué por todos lados hasta que alguien a quien estaré eternamente agradecido me envió un link para descargarla de internet, y reviví aquellos viejos tiempos.

Vamos a la historia, un grupo de mineros encuentran en la nieve una sustancia palpitante similar a un yogurt, como quien no quiere la cosa (Ja!) uno la prueba y tiene buen sabor; acto seguido es comercializada como “The Stuff” o “La cosa”, y su adictivo sabor la hace muy popular.

El problema es que La Cosa tiene vida (sino pregunten en Lavalle 2021 3° 5), ¿y qué esperaban de una masa palpitante?, y está devorando por dentro a todo el que la prueba transformándolos en zombies esclavos súper veloces; y al que no lo hace también, porque masas gigantes del producto se deslizan aniquilando a aquel rebelde que no quiera sucumbir a su gran sabor. Sí, aunque no lo crean, su trama es esa.

Ya lo sé, la película no es buena, tiene uno de los finales más absurdos de la historia del cine, y los actores podrían laburar guión en mano que daría lo mismo. Pero tiene su encanto, y va más allá de un encanto por lo retro, o por el cine de bajo presupuesto (por ser benévolo). Las falsas publicidades, las constante luces de neon, lo graciosamente estúpido de varios de sus diálogos (¿alguien puede llamarse Mo?), y básicamente su ridícula trama, la hacen una montaña rusa de diversión, pero solo para algunos que gozamos con estas cosas.

En fin, sobre gustos no hay nada escrito, y no hay forma de que me vuelva más tradicional, tendré que seguir dando batalla en la defensa de mis peculiares preferencias, Fah!

EXTRA!, EXTRA! Como no todo me gusta, inauguro sección, o como se llame:

EL FIASCO DE TURNO:

¿Con este título hace falta que explique de qué se va a tratar?... no, no es la biografía de Leticia Bredice, ese tema ya lo terminé; es de algún garrón que me comí (en materia de películas, claro).

Este mes vamos con/contra Habitantes silenciosos, una alemana de suspenso sobre una mujer que vive y trabaja en una comunidad de edificios muy modernos y conservadores, y en donde todos los co-propietarios mantienen una moral alta, y al que no, lo liquidan... o al menos es lo que entendí.

Llena de flashbacks, flashforwards, escenas oníricas, incoherentes (a veces aparecen personajes dos veces en el mismo lugar) una fotografía blanca hasta el brillo extremo que daña la vista, y una de las protagonistas más excéntricas del cine; la película es de lo más extraña y logra confundir desde el primer minuto sin aclara nada en su, eso sí, corta duración. Uno termina de ver este film sin entender absolutamente nada de lo que vio, y con ganas de preguntarle al realizador ¿qué carajo quiso hacer?. Un fiasco enigmático.

Punto aparte para un agradecimiento a todos los que escribieron mensajes en este mes, especialmente un gracias enorme a María Alejandra Portela, autora del mencionado en la entrada anterior Un Diccionario de Films Argentinos la primera que escribió un comentario en el propio blog; además prometió tercer volumen de la obra; desde acá espero que sea muy pronto.

Racconto de los últimos cuatro meses

2010-02-10T19:01:00.004-03:00

Antes que nada, hago el anuncio: VOLVÍ. Después de cuatro meses en que no escribí nada y prácticamente me desconecté de internet (por fuerza mayor, me quede sin proveerdor), ahora pienso volver con asiduidad. Después de todo, desde principio no habia prometido continuidad...

En estos cuatro meses pasó bastante... bueno algo; finalmente no me recibí de abogado, me quedo colgada una materia porque levantaron la cátedra (espero poder darla ahora y finiquito), sigo sin encontrar ningún laburo afín, volví a mi regularidad en las salas de cine (después de un Agosto/noviembre funesto); y si, vi mucho cine; veamos detalladamente.

Diciembre me esperó con una gran vuelta a las salas, fui a ver Los fantasma de Scrooge, claro en 3D. La verdad, muy buena, luego del paso en falso de Beowulf, Robert Zemeckis volvió a dar un gran film de captura de movimiento, al estilo de la suprema El expreso Polar; lo único para achacar, un poco lúgubre (sobre todo el primer fantasma) y no poder verla en ingles con la inigualable voz de Jim Carrey. En cuanto a la animación, mejora a pasos agigantados, ya no parecen esos zombies de la primera experiencia con Tom Hanks, cada vez hay más vida en esos ojos.

En el medio vi Bienvenidos al país de la locura (un horrible título local), una genial comedia francesa con dos grandes como Kad Mehrad y Dany Boon (que también escribe y dirige); lamentablemente tuvo un paso muy fugaz por nuestras salas, es más ya la están dando por Moviecity, casi al mismo tiempo que sale el dvd, y bueh... esta sí la recomiendo, si tienen la posibilidad no la dejen escapar.

También vi Identidad sustituta, tan liviana como una bocanada de aire, eso sí, un aire medio contaminado. La peli no esta mal, pero... no se, quiere decir algo y se pierde en el camino, entre mucho fuego artificial y peluquines horrendos. Se pretende defender a la humanidad por sobre los robots, pero resulta que los malos son humanos que matan robots, ¿en qué quedamos?, prácticamente ya la olvidé.

Saliendo e la pantalla, por mediados de diciembre me compré, por fin, los dos tomos de Un diccionario de films argentinos, de Raúl Manrupe y María Alejandra Portela. Me acuerdo que esos libros me volvieron loco cuando me los presentó la bibliotecaria amiga de mi secundaria, se los debo haber pedido prestado cerca de veinte veces; en ese momento (sólo el primer tomo) estaba fuera de mi alcance, y lo fotocopié (sí, fotocopié un libro, y tengo pelis piratas y vi alguna por internet, que se le va a hacer), pero no podía haber sido peor, mal compaginado, le faltaban páginas, impresentable (perdón Diego que te regale la fotocopia). Ahora me di al gusto, y sé que parece tonto, pero lo leo como una novela, película por película, me lo lleve de vacaciones a la costa y todo (no me imagino lo ridículo que debo haber quedado leyendo ese “mamotreto” en la playa). Sueño cumplido.

Volviendo al cine, conocí otra sala (las del Village Caballito) y vi Mis estrellas y Yo, otra vez, comedia, otra vez Francia, otra vez Kad Mehrad, otra genialidad... otro paso fugaz por las salas; otra vez, si la dejaron pasar, aprovechen la oportunidad.

Y llegamos al 2010, y a Avatar; la verdad no le tenía confianza cuando vi el adelanto, pero me encantó, una trama muy simple, pura aventura, y majestuosidad visual. Hay muchos que achacan chatura, pero yo no espero encontrar a Woody Allen cuando veo una de James Cameron, los dos geniales, pero distintos.

Y hablando de Woody, luego de quince días de playa y nada de cine (estaba demasiado lejos de un cine con muy pocas atracciones – Luna Nueva o Sherlock Holmes- ), vuelvo a lo grande viendo Toy Story 3D, la verdad, el 3D no aporta mucho, pero ver esa obra maestra en cine y que parezca nueva, no tiene precio; juro que cantaba en la sala como un chico.

Más tarde ese mismo día vi La princesa y el sapo, por el solo hecho de ver una de Disney en animación tradicional, y porque la sala estaba al lado de la 3D... y me colé (sí, no soy una persona decente, sumo otro delito a los mencionados antes). La peli esta bien, rescata un espíritu antiguo, buenas canciones de musical, historia rosa, y todos felices.

Ya terminando con este racconto, vi en cable La madre de las lagrimas, de Dario Argento, que termina con la trilogía de las madres; y tiene todo lo que uno espera de una de Argento: sangre, tanas en bolas, sangre, Asia Argento y sus tetitas, sangre, clima sombrio, sangre, muertes muy absurdas (no se pierdan a la que ahorcan con sus propias tripas), sangre, y mucha incoherencia; pero al final es divertida, no tiene lógica, pero es una de Argento y es digna hija de su padre, es un festín para amantes del gore y el giallo italiano.

Eso fue todo, o casi todo, describí solo algunas películas de las muchas que vi, y yo sigo igual, tan amante del cine como antes, pero eso sí, con nuevo proveedor de internet y ganas de poder seguir escribiendo.

Nena mala

2009-10-04T14:24:00.005-03:00

A veces, hay historias en el cine que parecen repetirse una y otra vez, películas que al leer de que se tratan, o ni bien desarrollada su trama parece que ya las hubiéramos visto. ¿Cuántas películas hay sobre niños malvados?

Desde el grupete de Los niños del maíz (o el horrible título local de Cosecha Negra) y sus ¡¡¡seis!!! secuelas, o los albinos de El pueblo de los malditos, y hasta la inefable Regan de El exorcista (en una elección de títulos caprichosa, porque hay miles para nombrar); pareciera que nada nuevo se puede contar.

Sin embargo, todavía hay sorpresas, y La huérfana es una ellas; cuando su trama parecía un cliché visto millones de veces, termina no pareciéndose a nada que yo haya visto.

Es cierto que tiene algunos puntos en común con El ángel malvado, esa en donde Macaulay Culkin era un purrete pérfido porque sí, y Elijah Wood era su primo con más bondades que el Lactobasilus GG (¿Se acuerdan?). Pero es sólo en apariencia, ahí en donde la anterior hacia agua, esta construye una madeja que termina cerrando por todos lados.

Aunque está vendida como film de horror (tal vez porque una de sus productoras sea la afin al género "Dark Castle"), el nuevo film de Jaume Collet-Serra es uno de suspenso hecho y derecho, y de esos que nos atrapan desde el comienzo y no nos sueltan hasta el final; tanto que uno espera que termine de una vez (cosa que los 123 min. no ayudan) para ver qué es lo que va a suceder; la tensión se maneja al límite.

Durante la primera parte nos adentraremos a una historia más similar a un drama con un matrimonio con dos hijos, sumidos en el dolor por la pérdida al momento de nacer del tercer hijo. Ya desde el comienzo las grietas se notan en esa familia, en donde cada uno tiene sus traumas (infidelidades, problemas de conducta, de comunicación, alcoholismo), y donde las críticas de unos a otros estan a flor de boca.

Para calmar el dolor deciden adoptar una niña a la que pretenden poder entregar el amor que no pudieron dar a su hija natural (palabras literales de los padres).

La elegida será Esther (Isabelle Fuhrman, de 11 años) una nena, de 9 años, algo extraña, retraída, con un gran sentido parta el arte, y aparentemente muy dulce.

Ya en los comienzos, la integración se hará complicada, pero nada parece culpa de ella, se muestra como una incomprendida... hasta que definitivamente muestre la hilacha.

Entrando en el climax, Esther demostrará ser todo menos dulce, es capaz de amenazar, "planear accidentes", sugestionar, y claro, asesinar (entre otras actividades para nada habituales en una niña con mirada tan angelical).

Esther será capaz de utilizar como cómplices, bajo amenaza, a los otros dos hijos de la pareja (un nene más grande, y una más chica sordomuda); y hacer todo lo posible por enloquecer a sus padres, especialmente la madre, que deberá luchar contra la incredulidad de todos los que la rodean.

Todo esto conducirá al final, ¡que final!, una sorpresa que le terminará dando coherencia a lo que hasta ahora parecía una locura.

Durante todo el relato, la película no aterra en ningún momento, pero todo el tiempo nos corre un frío por la espalda, nos rascamos los brazos, nos mordemos los labios; en definitiva uno se compenetra con la historia como si nos estuviese ocurriendo a nosotros.

Este logro se debe a varios factores, un guión armado como un rompecabezas que se ensambla como con grasa, un director que decide qué mostrarnos y qué no, y un grupo actoral que en su conjunto se luce como en un buen drama.

La película ha recibido críticas dispares por todo el mundo, pareciera que es cuestión de amarla u odiarla, sin medias tintas, claro yo estoy entre los primeros.

Se le ha criticado sus muchos lugares comunes (pesadillas, golpes de efecto, imágenes fuera de cuadro); pero estos "efectos", han sido utilizados desde los comienzos del relato cinematográfico, y no hay maestro del suspenso (inclusive Hitchcock) que no haya recurrido a ellos.

Otra crítica, es su historia y escenas similares con la ya citada El ángel malvado, y sobre todo con Joshua (que encima comparte madre - Vera Fármiga -); y sí, están la escena de la pista de patinaje sobre hielo, las amenazas y chantajes, y mucho del clima de la segunda; pero esto es sólo el comienzo esta va mucho más allá. En las otras, los niños simbolizaban la inocencia perdida, aquí, Esther es mucho más, parece el símbolo de la ruptura de la familia, una metáfora de la desunión, es definitivamente un personaje más complejo. Si de similitudes hablamos, en cuanto a su estructura, me hizo recordar a La mano que mece la cuna (pido perdón de antemano a los fans de ella, entre los que me encuentro); la tensión familiar personificada por un extraño que se entromete, esos nervios y escalofríos que hacen que uno quiera que la historia acabe de una vez; y por supuesto personajes de los más malvados del cine en medio de una familia pura inocencia.

Por último, la mayor crítica que se le ha hecho (y por lo cual se dividen todas las aguas) es por su final. Antes de seguir, aclaro que me cuesta escribir sobre esto sin adelantar nada, pero voy a hacer el intento. Para algunos es una ridiculez, un imposible, que los productores arrugaron en los testeos de público y se lo cambiaron a las apuradas. Para mí es el único final posible, inesperado, que deja con la boca abierta, y que le da un cierre lógico a algo que de otra manera era insostenible. Habrá que verla para tener una opinión propia. En lo que a mi respeta, una sorpresa, un hallazgo, una pequeña historia de la cual no hubiese esperado mucho más que un par de sustos, pero de la que encontré más, mucho más.

Arráncame los ojos de un tirón

2009-09-27T16:41:00.005-03:00

Hay algo extraño en las películas de terror, ¿qué es lo que nos hace verlas? ¿por qué nos quedamos, aún sabiendo que no son buenas?... o por lo menos es lo que me pasa a mi.

Ayer a la tarde volví otra vez a incurrir en la misma costumbre, hay que decidir qué película ver, y elijo otra vez una de terror, y de esas que prometen ser sangrientas, y vuelve a suceder, una vez más.

Sin embargo, el film de ayer me dejó algunas reflexiones, y es lo que voy a escribir. A esta altura ya es importante saber de qué estoy hablando, se trata de El ojo del mal, una no recomendable película de terror.

Antes, relato brevemente la trama (que en verdad no da para mucho más), un grupo mixto de jóvenes que estan cumpliendo condnas menores es enviado a restaurar un hotel abandonado, para reducir sus condenas, una vez allí se van a encontrar con un asesino con una fascinación por arrancarle los ojos a sus víctimas, en serio, eso es todo; hay alguna explicación, escenas previas que intentan dar sentido, pero no lo logran, nada más.

El problema en sí, no es la trama, pobrísima como se habrán dado cuenta, sino la manera en que es llevada a cabo.

Últimamente, el cine para adolescentes (como lo es este) nos ha acostumbrado a una edición videoclipera y a escenas lo más gráficas posible; pero esta parece ser el sumun en este sentido.

En cuanto a la edición, habría que preguntarse si le gente detrás de las cámaras no tenían párkinson (o aunque sea mucho frio) al momento de filmarla; literalmente la imagen está sacudiéndose constantemente, y hasta hay escenas de personajes corriendo tomadas en planos 3/4 de frente y siguiendo los pasos del mismo (recurso ultra utilizado en videoclips); un poco resulta modernismo (o algo así), pero hacerlo consantemente es muy molesto.

Pero lo realmente discutible del film es su gusto por exponer carne humana, y no hablo de cuerpos desnudos precisamente. Desde el comienzo nos muestra con lujos de detalle como Jacob, el asesino se dedica a arrancar ojos, con planos alejados, primeros planos, cámara lenta, y hasta el interior del agujero que queda cuando se va el ojo; sepan disaculpar que me lo tomo en broma, pero desúés de un rato deja de ser asqueroso, para volverse gracioso.

Como si fuera poco, este personaje guarda los ojos en frascos cual aceitunas en salmuera, y se ve que a alguien le pareció divertido posar la cámara una y otra vez sobre los mismos.

Ojo, que lo de los ojos no es la única muestra de mutilación y salvajismo, veremos también ganchos que arrancan mandíbulas, cabezas que se rompen contra el techo, y hasta un corazón que se rompe (otra vez, literalmente).

Algo curioso, es que, ante tanta asquerosidad (sumada a una fotografía premeditádamente sucia), la película ni siquiera logra su comedito (supongo) de atemorizar o de horrorizar con estas imágenes, al segundo tuerto uno ya se relajó y todo le importa poco y nada.

Otro dato curioso, lo encuentro en el reparto; esta película está producida por la WWE, una especie de Titanes en el Ring yanqui (de la cual salió por ejemplo Hulk Hogan y The Rock), para exclusivo "lucimiento" de uno de sus luchadores, Kane... en el papel de Jacob.

No deja de ser llamativo, recuerden qué tipos de pelis hacian nuestros Titanes, mientras unos se enfretaban al Capitán Piluso y colaboraban con los Superagentes, este se enfrenta contra adolescentes cachondos y colabora con la labor de maniáticos como Jason Vorhees (la asociación es obvia ya desde el nombre, y aún más en las excusas de la trama).

Otros films de la WWE nos mostraron a sus luchadores en films de acción ultra patrióticos (The Marine con John Cena) o que hacen justicia por mano propia reventando a palasos - en serio - a los malos (Con la frente en alto, con The Rock).

En definitiva pareciera que sus luchadores de catch no estan dirigidos a un público infantil como los nuestros (las dos películas de 100% Lucha también son una muestra de esto); pero pareciera que se van para el otro lado, demostrando una violencia descarnada, puramente innecesaria.

A lo largo de la historia del cine, el género de terror es uno de los que más ha cambiado; se ha pasado de un terror más psicológico, sugestivo; a algo más explícito, directo, que causa un shock como sea (aunque sea a través del asco).

Películas como esta parecen el equivalente pornográfico al cine de sangre, se tira toda la carne al asador sin dejar nada para el misterio.

Sin embargo, y hago un mea culpa, pareciera que a la hora de elegir, ahora nos inclinamos hacia este estilo. Estas películas, no son realizadas precisamente por amor al arte, son hechas para el comercio, y parece que son rediruables, porque salen como chorizos (¿alguien puede creer que sea inminente el estreno de El juego del miedo VI?, yo me cansé - o asqueé - a la segunda).

La trama, como aclare párrafos arriba, es lo menos importante, una excusa para hilvanar mutilaciones de todo tipo, casi como hacer un recorrido por un frigorífico.

Ni hablar de rubros técnicos o actorales, todos puestos al servicio de la masacre; todo es tan pésimo que a uno le dan ganas de que se mueran todos y termine de una buena vez.

Por momentos, pareciera que pretende rendirle homenaje a ciertos clásicos del terror gore de los '70 y '80 ( las reminiscencias a Martes 13 son muchísimas y obvias), pero termina siendo sólo una apariencia; o un homenaje muy fallido. Cuando en décadas pasadas se creó y recurrió a este subgénero del terror (muy explotado por directores como George Romero, Tobe Hopper, o el primer Peter Jackson),el acumulamiento de sangre escondía un trasfondo mucho más rico, interesante; cosa que aqui no ocurre en ningún modo.

Sangrienta, asquerosa, aburrida, ridícula, todo esto le cabe a la perfección. Al igual que terrorífica, espantosa, espeluznante; pero en el mal sentido. Lo único positivo es es corta duración, y su final que pareciera no dar lugar a una posible secela, aunque uno nunca sabe. Una lástima, una hora y media totalmente desperdiciada.

Antoine el benefactor

2009-09-20T11:54:00.003-03:00

De nuevo estoy de vuelta, después de larga ausencia... Ah, no, eso es otra cosa. Estoy aprovechando los pocos momentos en que la empresa de Internet que contraté me deja conectarme, para poder hacer una nueva entrada en mi blog preferido (Je!).

Ya sé que anteriormente prometió una reseña sobre El secreto de sus ojos, pero a más de un mes de esos dichos, y mucho más del estreno de aquella, prefiero guardarlo para cuando salga el DeVeDé, voy adelantando que es formidable.

Esta vez prefiero no escribir sobre un estreno, tampoco lo voy a hacer sobre un clásico, sino sobre un film discreto, una discreta comedia francesa.

El Restaurante, horrible título para el original Aprés Vous... (algo así como "Después de ti" o "Después de que"), es una comedia que sigue el "molde" de la más típica comedia francesa, pero no por eso deja de ser una experiencia muy divertida.

Antoine (el genial y versátil Daniel Auteuil) es Someliër en un restaurante parisino, cuando empieza la historia lo vemos con una vida tranquila aunque algo monótona, pero de camino a ver a su novia, se encontrará con Louis (José Garcia) apunto de ahorcarse en una árbol; por puro instinto Antoine irá en su socorro, y de ahí en más cambiará su vida.

Louis resultará, sin más palabras, un lastre; un ser que no le encuentra sentido a su vida, que vive apesadumbrado, y que intentará suicidarse constantemente. Pero Antoine se apiadará de él, y cumpliendo un rol de buen samaritano, lo ayudará una y otra vez, hasta no poder sacarlo de su vida.

Entre los "mandados" que el santo de Antoine realizará para su "nuevo amigo", se pueden contar robarle una carta suicida a su abuela totalmente sorda y cegatona, conseguirle trabajo en su restaurante, y en el mismo puesto que él (claro que será completamente inepto), y por último intentar contactar a la razón de tanta pena, una ex-novia de Louis, Blanche (Sandrine Kiberlain), una florista con problemas amorosos.

A lo largo del film, veremos la transformación de ambos personajes, mientras Louis va adquiriendo color en su personalidad, Antoine se va pareciendo cada vez más a Louis, y encima se enamorará de la bonita florista.

Comedia de enredos, al fin, el disparate estará a la orden del día; pero todo dentro de un cuadro medido, una trama bien desarrollada y que le permite un desarrollo a los actores, sobre todo Daniel Auteuil, el protagonista excluyente del film, el que se roba todas las escenas.

Uno nunca entiende la actitud de Antoine, por qué soporta tanto, por qué ayuda a un personaje al que más de uno quisiera golpear, o aunque sea sacudir para ver qué le pasa. Pero es así, se convierte en un benefactor capaz de poner en riesgo todo lo que tiene para ayudar a alguien que, en definitiva, no deja de ser un desconocido (tal vez esas emociones era lo que necesitaba para despertar de su aletargada vida).

Hay algo que diferencia a la comedia francesa de la típica comedia jolibudense, no es una sucesión de gags, no es una risa contínua por lo absurdo. Tampoco es cuestión de desmerecer a ese tipo de humor, simplemente, este es distinto, más que la carcajada ante situaciones ridículas, esto es una humorada, una sonrisa que dura toda la proyección, y aún después. Es un film ameno con situaciones mordaces desde los diálogos más que desde el físico. Es un gusto poder apreciar ambos tipos de comedias.

Pierre Salvadori (director, y uno de los guionistas) parece seguir la senda de las comedias de Francis Veber, su estilo es similar, pero a diferencia del director de El Placard, Salvadori se inclina más por la comedia romántica (estilo que quedará más marcado en la posterior Mujer de Lujo), pero prevaleciendo más lo cómico que lo romántico; es por eso que no podría decir que esta es una comedia romántica pura (por lo menos, no al estilo meloso que entiende el país de norte).

Una comedia para recomendar, para pasar un momento más que grato y continuar con una sonrisa aún después de verla (apuntarla quienes quieren ver una romántica con su pareja y no morir en el intento, ambos la pasarán bien).

Por ahora, me despido hasta la próxima vez que se me permita escribir.

Cobras y Coballos

2009-08-09T13:09:00.003-03:00

Regresé. Luego de dos semanas en las que por problemas de conectividad (Claro Internet sos lo más) puedo por fín subir esta reseña.

Ahora, estas dos semanas sí que fueron movidas, recibí varios mail (que pude leer cuando milagrosamente se conectaba), algunas críticas, y mucho apoyo. Pero sobre todo vi bastante cine, lo cual no deja de ser una noticia ya que, por ejemplo hacia más de un mes que no pisaba una sala; y además es noticia porque de eso se trata este blog.

Entonces, decidí volver con todo, bueno no tanto, y despacharme con una reseña compartida, es decir de dos películas juntas.

Como ya dije, en estas dos semanas, vi cine de lo más variado; pero para hacer estas reseña me decidí por dos que me parecieron con muchos puntos en común y casualmente son las dos que fuí a ver al cine: Fuerza-G 3D y Gi-Joe: El origen de Cobra; entonces, ahí voy.(estoy muy atrasado y sería mejor escribir sobre la sublime El secreto de sus ojos, pero esta reseña la escribi hace rato y ya quería publicarla, la otra viene para la próxima)

Para una persona normal, no entrar a una sala de cine por un mes y medio, puedo ser algo natural, para mi no; equivale a casi una eternidad; y la verdad que las razones de mi vuelta no fueron gran cosa, pero algo había que hacer. Quería ir a conocer la nueva sala 3D que pusieron en el Showcase Haedo, ya que antes tenía que irme hasta Palermo, y prácticamente no importaba qué película era, sólo la sala. Por otro lado, yo no suelo ver una sola película cuando voy ahí, y Gi-Joe... me recordaba a mi infancia, era más bien una excusa, porque tenía mucho "miedo" de verla y salir decepcionado (los trailers ya lo habían hecho).

Fuí a la primera función de Fuerza-G 3D y la cosa arrancó mal, cómo es costumbre en Haedo, y en los horarios a los que voy, estaría yo solo en la sala. Eso no me molesta, pero sí el hecho de que el cuarto en donde estaban los anteojos especiales estaba cerrado y no encontraban la llave; me hicieron entrar a la sala y después me trajeron los anteojos casi casi cuando empezaba la función.

A los diez minutos, em pleno trailer de Toy Story 3, pararon la proyección, entraron dos personas más, y luego tardó como quince minutos en retomar (Yo no sé si pasa siempre, o me pasa a mi, pero me cabroneo con estas cosas); después la pase bien, bah, por lo menos me relajé...

De Fuerza-G no hay mucho para decir, entra por lo ojos y se queda ahí, cuando uno dejó de verla se la olvida como a una idea pasatista.

El argumento completo puede ser escrito en líneas récord: Un grupo secreto del gobierno tiene trabajando a coballos alterados genéticamente para trabajar como espias del gobierno. Estan detrás de un mega empresario que quiere dominar al mundo a través de electrodomésticos robots que parecen los Transformers, y hay otro personaje "en las sombras" que es el secreto del film, aunque a resolución no sorprenderá ni siquiera a los más chicos. En algún momento se cancela el proyecto, se les unen otros coballos de una tienda de mascotas, hay mensaje de hermandad, la voz de una coballa (no se dice así pero me gusta como suena) puesta por Gloria Estefan en la versión en castellano, resolución obvia, y listo, no hay más. así y todo parece más completa que Gi-Joe...

En la segunda proyección no pasó nada (ni en la sala ni en pantalla), la adaptación al cine de estos muñequitos y su correspondiente serie animada nos cuenta , como lo revela el título (y los que tienen un conocimiento previo lo entenderán), el origen del villano principal de la serie original -Ah, por si no se dieron cuenta, ya estoy a hablando de la de los Joes.

La peli comienza con dos soldados del ejercito que junto a su grupo deben transportar un arma biólogica creada por un empresario y un científico y que debe quedar en manos de la Otan. Algo pasa, primer ataque de los malosos, los buenos fallan, y aparecen los Gi - Joe (¿grupo paramilitar?) para salvar las papas del fuego.

Estos dos soldados quedan "fascinados" con el grupo que elige a los mejores soldados del mundo para formar un grupo especial, claro los Joes, claro todos hablan en ingles y el 90% son yanquis. En definitiva, estos dos se unen al grupo y deberán frenar el uso de esta arma por parte de los malos, y listo; hay un romance en pantalla, el recuerdo de un romance viejo, un secreto más estúpido que el de Fuerza-G, aparece el malo del título, rompen todo, y nada más. La pregunta es ¿Y dónde estan los Gi-Joe?.

La serie animada, una excusa ochentera para vender muñequitos mucho más viejos, hablaba de un grupo militar que se enfrentaba a la agrupación criminal de Cobra, no era muy profunda, pero ni siquiera eso pudieron respetar.

Los héroes andan en unos trajes tecnológicos que los aceleran, los ninjas (sobre todo el bueno) pare un robot, la varonesa (villana recordada por ser recordada como una Martina Navratilova del mal) está más buena que las milanesas que hace mi vieja, el jefe ya no tiene bigotes. Son más las cosas extrañas que las que se parecen (como consuelo está la base en el desierto, Scarlett se parece, por lo menos es pelirroja, y cuando al final se forman Cobra y Destro uno por fín celebra algo).

Es iuntil criticar estas películas como obras cinematográficas, son nulas; y he aquí los puntos en común: los dos son grupos militares o agentes del gobierno, los dos pelean contra armas tecnológicas, los dos tienen personajes recontra estereotipados, los dos entran por los ojos, los dos tienen personajes que parecen olvidar que son malos (Upsss! sopa fría); al fin, en las dos la trama parece lo menos importante. Pero en la balanza, créanlo o no, Fuerza-G pesa mucho más, por lo menos no se toma en serio.

Gi-Joe: El origen de Cobra tiene un mecanismo que va de pequeñísimas escenas con ¿diálogos?, que sirven de conectores para escenas de batalla en las que no queda nada en pie pero nadie se hace ni un razguño; sería algo así: título-batalla-presentación de los malos-batalla-presentación de los buenos-batalla-flashback sin sentido-batalla-otro flashback-batalla-resolución con otra batalla-títulos finales.

Fuerza-G, al contrario, no deja de ser una película de Disney, y aunque parece tener su unico atractivo en correrse cada vez que se nos tira algo encima (¿verla en 2D tendrá alguna justificación?), por lo menos es simpática, tiene un mensaje aleccionador, y sí, uno sale con una sonrisa de la sala, parece un chiste largo.

A Gi-Joe uno termina agradeciéndole que no haga una propaganda muy obvia de lo bueno que son los militares (Ivan eht nioj), simplemente porque ni siquiera se les parece. Detras de esta, se encuentra la misma gente de Transformers, y por desgracia, se parece más a la segunda que a la primera; eso sí, las batallas se entienden, bueno algo.

No se puede decir mucho más de ambas, como dije, las actuaciones son casi nulas (por ahí estan Dennis Quiad, Channing Tatum, Marlon Wayans, Sienna Miller, Joseph Gordon Levitt, y Christopher Eclecson en una; y Zack Galifianackis y Bill Nighy en la otra, pero no hay nada que decir).

En cuanto a la dirección, el de Fuerza - G es su ópera prima, aunque tine añares en rubros técnicos (es lógico), y el de Gi Joe es Stephen Sommers, que hizo una buena con la primera de La Momia, pero la embarró en su secuela, Van Helsing, y ni que hablar de su ópera prima Agua Viva (si se acuerdan de esta, por favor, escríbanme, paso por el cine en el '98, posta).

Para terminar, dos sugerencias: no hubiese sido mejor hacer Gi-Joe com muñecos animados o marionetas como los Thunderbirds, siiiiiiiiiii. Con el título de Fuerza-G no hubiese sido mejor hacer una adaptación de los dibujitos ponjas ochentosos del mismo nombre; no mejor no.

P.D.: Les dejo unas imágenes de las series que les hable, para que recuerden, comparen la de Gi-Joe con la de arriba y asqueense.

La estafa maestra

2009-08-02T11:11:00.003-03:00

Joya oculta del cine nacional, Perdido por perdido, nunca tuvo el reconocimiento que se merece; es por eso que desde este humilde lugar, quiero rendirle un pequeño homenaje.

Ernesto Vidal (Ricardo Darín) tiene problemas financieros. Verónica (Carolina Papaleo), su esposa, parece vivir en la séptima nube, y tiene sueños de grandeza mientras él se hunde cada vez más.

Para intentar salir de la crisis, le estan por rematar la hipoteca de su vivienda, Ernesto acepta la propuesta de un extraño personaje (que el mismo Ddirector de una financiera le presenta) para fingir el robo de su auto y contraer otra deuda... pero con gente aún más oscura. De ahí en más, comienza un espiral del cual no pienso adelanar nada, ya que la gracia de su trama se encuentra en sus vericuetos.

Tal vez por el momento de su estreno, 1993, la película pasó algo inadvertida; sobre todo en posteridad. Hay que recordar, que los últimos años de los '80 y los primeros de los '90 fueron propicios para el video en Argentina, y en su cine, con muchos films dirigidos especialmente a ese formato; y además, en el mismo año se estenaron otras películas, más efectistas, peron con más repercusión, mucha más repercusión. Es el año de El Caso María Soledad; Gatica, "El Mono"; De eso no se habla, y sobre todo Tango Feróz. Por lo que, este film, si se quiere sencillo, no llegó a las loas de los anteriores mencionados.

Con el tiempo, ha adquirido algo de misticismo; sobre todo por tratarse del debut en papeles "serios" de Ricardo " La ... del amor" (llene los espacios con palabras como carpa o discoteca)Darín; y ser la ópera prima de Alberto Lecchi.

El cine argentino, siempre tuvo una muy buena relación con las historias policiales; muchos de los considerados clásicos indiscutidos, se encuadran en este género. Pero también ha sido un género largo tiempo olvidado ( hoy en día parece pasar por esa etapa), y Perdido por Perdido parece haber quedado en una época que no era la suya; como dije, los policiales de principios de La Era de Ménem, eran producciones para el videoclub, con poco presupuesto, poca ropa, y mucho Silvia Peyrou (léase erotismo barrial); y en el medio de esos tiempos, esta historia buceaba por otros rumbos (¿Alguién le vió una teta a "histérica" Papaleo?, ¿Alguién quiera verla?), desnudando (no... Darín tampoco se pone en bolas) una realidad de estafas y negocios non sanctos muy común en el quehacer diario, pero no reflejada en el cine (sino hasta mucho despúés con pelis como Nueve Reinas o, la también injustamente no reconocida, Gallito Ciego).

El Guión de Lecchi y Daniel Romano, no solo nos muestra un fresco realista, sino que mezcla el policial con el suspenso, y hasta algo de acción; logrando un entretenimiento que no decae nunca. La historia atrapa desde vel principio y no nos suelta hasta el final.

Su ritmo sostenido, no sólo se debe a la historia, sino a la mano de Lecchi detrás de cámara, otorgándole vberdadero dinamismo sin vertiginosidad.

Ya en su ópera prima, Alberto Lecchi demuestra la profesionalidad que demostraría En todasu toda su extensa y variopinta fimografía; moviéndose con buena calidad en el cine comercial (Apariencias, Déjala Correr - Sí, a mi me gustó, ¿y qué? - ) y el más indepentiende (Una estreella y dos cafés, El frasco). A lo largo de toda su carrera pasó por los géneros más variados, y en todos consiguió resultados más que buenos; films políticos y contestarios como El juego de Arzibel (totalmente bastardeada por la crítica, pero para mí una de sus mejores), films histórico-políticos (Operación Fangio o Nueces para el amor), y hasta un film de suspenso noir, Secretos compartidos, el cual, hay que decirlo, sólo safa por el clima denso que le imprime el dire. A esta altura, por si no se dieron cuanta, aclaro, Lecchi es uno de mis directores de cine contemporáneos preferidos, tomo su nombre como sello de calidad, y esto empezó cuando de casualidad vi Perdido por Perdido, totalmente perdida en un videoclub (luego la debo haber visto sesis o siete veces más).

Además de su director, nos encontramos con muy buenas interpretaciones: un Darín que por primera vez sorprende; un Enrique Pinti fuera del registro de comediante (y en una de sus pocas interpretaciones cinematográficas en total), Ana María Picchio como una sufrida mujer, y hasta el televisivo Jorge Schubert logra un buen registro. No nos olvidemos de Carolina Papaleo, que logra, y muy bien, la dificil proeza de componer a un personaje odioso (Ah, ese no era el propósito, bueno); una mujer a la que verdaderamente dan ganas de cachetear (al personaje, no a la actriz...).

Después de mucho tiempo sin verla - no tengo el canal Volver en donde suelen pasarla a las tres de la matina con subtítulos para hipoacúsicos - , la semana pasada me enteré que Canal siete la emitiría en su ciclo El cine que nos mira de los sábados a las 00:30; lo cual se transformó en una cita casi obligada, ya que sorprendéntemente nunca se editó en DVD (en Argentina, pero sí en otros países como España), y conseguirla en VHS es casi imposible (se consgue en sitios de internet a un alo precio y con pésima calidad por el paso del tiempo - son cintas usadas de videoclubes).

Lamentablemente, esto es algo muy común con el cine argentino. En los cines, salvo grandes proyectos comeriales, suelen pasar fugazmente por pocas salas; en los videoclubes (salvo especializados) sólo se consiguen las mismas grandes producciones; y en televisión, hay que "engarcharlas" milagrósamente por Volver o esperar (por ¿suerte? poco tiempo) a que Canal siete las emita desapercibidamente un sábado a la medianoche (como pasó hace unas semanas con el éxito de 2007 XXY). Mientras tanto, los canales de aire se debaten entre repetir una y mil veces las mismas películas de Steven Seagal, Enrique Carreras (por lo menos son argentinas - a propósito, a ver cuando pasan las buenas de Olmedo y Porcel), o películas televisivas que a diario podemos ver en el Hallmark.

Mientras tanto, lupa en mano, podemos encontrar, en algún horario perdido de nuestra TV, estas joyas que alguna vez, tal vez, tendrán su merecido reconocimiento.

Animación de alto vuelo

2009-07-25T18:50:00.007-03:00

El título de esta nota no es el más original, pero es que no encuentro otra manera para describir a Up, nueva joya de la factoria Disney/Pixar; simplemente es un vuelo directo a lo mejor del cine.

La experiencia de haber visto este film me subyugó lo suficiente como para tardar bastante en escribir una reseña sobre él. No encontraba la manera de hacerlo sin parecer obsecuente. La respuesta, no importa serlo si uno realmente quedó maravillado.

Es más, ni siquiera pienso perder líneas contando hechos personales. Solamente quiero decir que por segunda vez (la primera fue con Hombres de Negro) encuentro una salida frustrada por funciones agotadas (fue al segundo día de estreno en la sala 3D del Abasto), hay que decir que esa situación me ofuscó bastante, por decirlo de algún modo. Igualmente, dos semanas después tuve mi revancha en un doblete en el Cinemark de Palermo, junto con Transformers: La venganza de los caídos (film que pese a haberme aturdido mucho más, quedó totalmente opacado por este en cuestión).

Terminado el breve relato de lo acontecido, paso a la historia del film, en realidad bastante sencilla de describir: Luego de la muerte de su esposa, con quien compartió un lazo desde la infancia, el ya anciano Carl se niega a vender "la casa de sus sueños" a una empresa que quiere construír un complejo de edificios. En una de esas resistencias, Carl tiene un accidente que complica la situación del hogar. Entonces, ante la mirada atónita de todos los obreros que esperan que el abandone la vivienda, literalmente echa a volar la casa.

Usando globos como motores (su profesión es de globero en una plaza) y las cortinas como velas, Carl se escapa, con casa, mueble y todo hacia unas cataratas en América del Sur, lugar soñado por Ellie, su mujer.

El problema es que, Carl no esta solo en la casa, sino que, sin saberlo, se enbarcó con Russell, un niño explorador que necesita de la estampa de "ayuda a un anciano" para recibir un ascenso en el grupo, y está dispuesto a todo para lograrlo.

De ahí en más, comenzará una aventura tan intrépida como amable, en la que se cruzarán con una extraña ave, mezcla de avestrúz con pavo real, a la que Russell nombrará Kevin y tomará como mascota (ante la negativa de Carl), además de un grupo de perros cazadores con collares que le permiten ¡hablar!, a cargo de Charles F. Muntz un aparentemente desaparecido héroe de la infancia de Carl, entre los que se encuentra Dug, quien se unirá al dúo protagónico.

Dentro de este delirio, que solo puede salir de la mente de los creativos de Pixar (Dreamworks, sigan partipando), hay lugar para la emoción (los primeros diez minutos en los que se cuenta la historia de amor para siempre de Carl y Ellie es puro sentimiento sin sensiblería), la aventura, la comedia, la acción (escenas de esgrima - con bastón como florete - incluídas), y hasta el suspenso (hay un malo que es fácil saber quién es, aún leyendo estas líneas).

Decir que esta historia tiene claras influencias del cine de Hayao Miyasaki (del cual John Lassetter - director de Pixar - es fanático confeso) es hablar de facilismos; ya que ambos cines se caracterizan por una originalidad suprema, historias que solo podrían ocurrirsele a semejantes mentes creadoras.

Up, no solo tiene originalidad en su premisa de hacer volar una casa con globos, sino también en el hecho de poner a un anciano como protagonista y héroe de acción; en la presentación cuidada de cada una de sus imágenes (al cual el color pastel pareciera emparentar con un film de los que Carl veía en su infancia); y en la carnadura de cada uno de sus personajes, todos estan desarrollados como si fuesen el protagonista del film.
Desde Toy Story, su primer largo, de 1995, Pixar viene desdibujando esa línea que separa al cine de animación del cine con personas de carne y hueso; definitivamente varias de sus películas pueden ser interpretadas por actores frente a la pantalla, y el resultado seria similar (claro, nos perderíamos de la preciosura de sus "dibujos"); por ejemplo: piensen en remplazar a Remy de Ratatouille por algún actor atribulado de la comedia francesa como Daniel Auteuil; o en Cars el Rayo McQueen podría perfectamente ser un automovilista. Sus tramas, parecieran, no estar pensadas en función de una animación; son simplemente comedias perfectas.
También borra, con total delicadeza, la barrera entre la animación computarizada con la animación tradicional, y con las imágenes reales. En una misma película, como Wall - E, podemos encontrar imágenes tan reales como las de la primera parte de la película, con animaciones fantásticas como los humanos obesos de la segunda mitad, dignos del megor tío Walt.
Con Up lo vuelven a hacer, Carl no es "el viejito típico de loos dibujitos", realmente se parece a tu nono, tierno y ofuscado a su vez. El hecho de verlo transcurrir desde su infancia a la vejéz, nos muestra el "endurezamiento" que va sufriendo a través de los años, pero sin perder su inocencia y timidéz; detrás de su máscara de anciano amargado, se esconde un profundo dolor por la muerte del ser querido; como las personas reales.
En cuanto a las imágenes, si por un lado, las imágenes de los paisajes parecen fotografías de una selva sudamericana; los personajes parecen cono pintados con acarela, lleno de contrastes entre colores vivos y colores pasteles; ni siquiera el efecto 3D (que ya no podrán disfrutar, porque a las dos semanas de su estreno la remplazaron por La Era de Hielo 3, Sniff!), que nos da profundidad más que una avalancha de cosas encima nuestro, quita esta sensación hermosa sobre los personajes.
Ahora, varios puntos aparte: en latinoamerica tenemos la posibilidad de escuchar un exquisito doblaje con sorpresas, los queridísimos Roberto Carnaghi (quien ya experimento en el mundo Pixar con Antón Ego en Ratatouille) y Edgar Vivar (¡¡¡¡¡El Señor Barriga!!!!!), como Muntz (en el original Christopher Plummer) y Dug, respectivamente.
Otra, como ya es costumbre, antes del plato fuerte, se nos muestra un corto - esta vez también en 3D -, en esta oportunidad Parcialmente nublado. Una cigueña tiene que transportar los bebés que crea una nube nublada y... tienen que verlo, como siempre cuesta saber si es mejor el corto o la película que fuimos a ver, excelente.
Por último, retomo un poco mis relatos personales. Un par de semanas antes de ver este doblete, había ido a ver Una noche en el museo 2 en mi querido Showcase de Haedo - ¡¡¡le pusieron sala 3D, Vamossss!!! - y me enfurecí cuando un pibe entró hablando por celular a la sala con los títulos de la película empezada, creanmé se lo hice notar. Ahora, en Palermo, cuando durante la proyección de Transformers 2 era una sala de conferencias, todos hablaban todo el tiempo, y al batfondo del film de Bay había que sumarle los chillidos de los ringtones. Es más, hasta el que estaba al lado mío, casi sobre el final (faltarían 45 minutos de la interminable historia), se ve que se aburrió y se puso a jugar con su Blackberry... ahora quien lo puede culpar. Viéndolo en perspectiva me dio lástima por el purrete de Hado, un nene de pecho que tuvo que bancarse mis gritos.
Por suerte, con Up la historia fue otra, nada me molestó, o por ahí todos estaban hablando y yo no me daba cuenta, totalmente embelezado con esta película a la que solo le cae un adjetivo, perfecta.
Ahora, si Pixar se supera año a año, uno poensa que no puede ser mejor hasta que llega la próxima, no quiero imaginarme que nos depara el 2010, cuando vuelva el niño mimado de la factoria: Toy Story 3... no puedo seguir escribiendo, estoy babeando el teclado.
Fernando Sandro.

Título: Up, una aventura de altura (Up)
Año: 2009
Duración: 89 minutos
Director: Pete Docter

La pícara Sandrita

2009-07-15T16:17:00.001-03:00

Sí, tengo que confesarlo, ni aún la epidemia de gripe A ha impedido que me haga una escapada al cine. Es más, se sintió como ir con la espada de Damocles en el cuello, porque uno no sabía si a último momento iban a cerrarse las salas.

En realidad, debo decir, la decisión no fue mía, sino más bien que acudí como acompañante de mi vieja que es fanática (en serio fa-ná-ti-ca) de Sandra Bullock. A esta altura, ya deben saber de qué película les voy a hablar, sí, es La Propuesta, el nuevo éxito que sacó la Bullock antes de verse obligada a los papeles secundarios, o al directo al DVD.

Pero antes, les sigo relatando la "extraña" experiencia:

Les aclaro que a mi no me gusta dejar las cosas libradas al azar, y menos cuando se trata de ir al cine; digamos que lo planifico, grilla en mano, durante toda la semana, y me gusta llegar hora, media hora antes al lugar (es un ritual el pararme, por lo menos, medio minuto en cada cartel publicitario que hay en el hall de entrada, antes de ver la peli en cuestión).

Esta vez, la cosa era aún peor, toda la semana informando datos contradictorios, que cierran, que no cierran, que algunas sí otras no. Es más, el mismo día a la mañana, escuchando la radio, dijeron que habían cerrado TODOS los cine de Capital y Gran Buenos Aires, a esa altura mi desilusión era grande.

Por suerte, telefoneo a la sala, y confirman su apertura, de otra manera mi día hubiese sido un tanto gris (sueno un poco neurótico, y sí lo soy).

El viaje, fue aún más alarmante; los colectivos en fines de semana suelen estar repletos, ahora no había nadie, si hasta el colectivero nos miraba de reojo.

Si no había nadie en la calle, para qué decir en el cine, vale decir que el cine al que voy comúnmente no es de los más concurridos, pero esta vez era una exageración, faltaba el ruido del viento y la mota de paja para completar el cuadro de desolación.

La chica que nos vendió la entrada esbozó un "deberían cerrar todos los lugares, para no salir", y con eso ya teníamos el cartón lleno. Sin duda, parecía que eramos los únicos sobrevivientes del mal que había exterminado a toda la población (hace poco vi Soy Leyenda y aún estoy influenciado).

Igualmente, todo ese panorama no influenció a la hora de disfrutar delante de la pantalla. Ahora sí, basta de cháchara, y hablar de lo importante (a esta altura los que querían leer sobre el film me deben estar odiando):

En La Propuesta, Bullock es Margaret Tate, una de esas mujeres a las cuales no querés tener como jefa; una editora de libros tan eficaz en lo suyo, como dispuesta a pisar cualquier cabeza con tal de mantenerse en su posición, y dentro de esas cabezas, se encuentran las de sus empleados.

En un primer momento vemos a esta déspota desplegar todas sus armas frente a sus compañeros, y a quienes deben asistirla en su labor.

Entre ellos, nos encontramos con su secretario personal Andrew (Ryan Reynolds), un muchacho modosito y entregado a cumplir cualquier orden de su jefa.

El problema surge cuando a Margaret, canadiense ella, le revoquen la visa estadounidense, y deba regresar a su país en unos pocos días... salvo que se le ocurra alguna idea.

Ante la desesperación, ella dirá sus jefas que está comprometida con Andrew, y que el matrimonio es sólo cuestión de días; para así poder conseguir la visa.

De ahí en más tenemos la trama romántica, que pasará del odio al amor, y se acrecentará en seguida cuando, para disimula ante Migraciones, deban viajar a Alaska para conocer a la familia de él.

Seguir contando la trama sería un desperdicio, no por los secretos no revelados, sino porque es lógico pensar como sigue.

A lo largo de su carrera, Sandrita a tenido más de un traspié (Máxima Velocidad 2, Miss Simpatía 2, Me robo el corazón por decir algunos), pero siempre a encontrado la forma de volver; y hay que decirlo, siempre es a mano de una comedia romántica.

De esta manera, a logrado perdurar más que algunas de sus "competidoras" en el rubro; por nombrar a una, Meg Ryan ya es un caso perdido, y de ser "la reina de los corazones" pasó sin escala a (tomen nota): un film semi erótico (In the cut), una de boxeadores (Entra las cuerdas), y últimamente quizo volver con dos estúpidas comedias (ambas se fueron al tacho) en las que, en una hacía de una gorda al estilo Eddie Murphy (El novio de mi mamá, con otro caso perdido, el Tonio Banderas), y la otra era una fallida remake de una película que originalmente ya era mala (Todo sobre las mujeres).

En esta oportunidad, Bullock, que venía de algunos películas insignificantes y papeles secundarios, vuelve a pegarla con lo que mejor sabe hacer, hacer suspirar a los románticos.

Eso sí, una novedad resulta el papel de déspota, que le dura menos de quince minutos, pero que es nuevo, es nuevo; ya que siempre mostró dulzura.

En cuanto a la película, no todo es Sandra-Sandra-Sandra, si bien la originalidad no es su punto fuerte (otra vez nos encontramos, como en la entrada anterior, con un film con reminiscencias a otros), sabe hacer divertir, y hay que reconocer que dentro de la sala, el tiempo vuela y uno sale con una sonrisa; ¿si uno va a ver esta película, busca otra cosa?).

Por parte de Ryan Reynolds, si bien está correcto en su interpretación, el astro de los films de superhéroes queda un poco desdibujado frente a la figura de la protagonista por antonomasia del film (¿hace falta decir quién es, suban un par de párrafos y la nombre como diez veces), y frente a los actores que encarnan a su familia. Sobre todo ante Mary Steenburgen y la gran Betty White, quienes encarnan a madre y abuela del muchacho, con quienes Sandra Bullock (ahí va otra vez) juega sus mejores escenas.

Comedia pasatista, tiene sus debilidades, pero nada a tener en cuenta en el resultado final. Ella parece interesarse en él cuando se entera que en verdad no es un pelagatos, sino que su familia es dueña de todos los negocios en el lugar. No está claro como él pasa de considerarla el ser más despreciable del mundo (si uno está distraído - algo que ocurre en estos films a los que su misma liviandad lleva a relajarse -pareciera que es hasta unos minutos antes antes del desenlace) a caer profundamente enamorado de ella. Tampoco son claros los cambios de humor en ella, que pasa de la antipatía total a mostrarse como una fanática del hip-hop. Por último, el conflicto entre Andrew y su padre (Craig T. Nelson) parece quedar inconcluso, y con una resolución a las apuradas sobre el final.

La propuesta, suena como una mezcla entre Green Card (esa genial comedia romántica de Peter Weir que por desgracia pasó sin penas ni glorias), obviamente por su similitud en la trama; y Mientras Dormías (LA comedia romántica de Sandra Bullock), en el hecho de anteponer la relación de la protagonista con la familia del muchacho, antes que la trama romántica.

Con estos dos antecedentes, y de la mano de una directora que cada vez adquiere más experiencia en el rubro, entregando productos aceptables (como en este caso), La propuesta parece traer lo mejor de la comedia romántica estadounidense en un género que últimamente paree algo agobiado.

En definitiva, la experiencia en el cine termino resultando bastante placentera; todo lo que la rodeo, no tanto...

Título: La Propuesta (The Proposal)

Año: 2009

Duración: 107 minutos.

Director: Anne Fletcher

Actores: Sandra Bullock, Ryan Reynolds, Betty White, Mary Steenburgen, Craig T. Nelson, Denis O'Hare, Oscar Nuñez, Malin Akerman.

Todo bicho que se arrastra...

2009-07-12T18:09:00.000-03:00

... va a para al asador, o al pueblo en el que sucede Slither: Criaturas rastreras, una pélícula en la encontramos una colección variopinta de bichos, o la mutación de uno solo, ofreciéndonos un fresco bastante grotesco.

Después de un largo periodo sin ver films de terror (es un género muy repetitivo), y en general unas semanitas sin ver películas en TV (para mí es una eternidad); esta tarde me decidí a ver una de las tantas que tengo grabadas para ver posteriormente, especialmente una de terror; la elegida es la película en cuestión.

Resumidamente el argumento es así, en un pequeño pueblo del oeste norteamericano cae un meteorito en medio del bosque, sin que nadie se de cuenta. Dicho "objeto", ya en un estado viscoso, será percibido por Grant (un pelado Michael Rooker), al cual le dispara "el primer bicho" en forma de aguja, que lo terminará infectando.

Así, se desatarán en Grant conductas muy poco convencionales, como un hambre voraz que lo llevará a terminar con todas las mascotas del pueblo.

Ya en plena mutación de su cuerpo, buscará embarazar a una mujer, la cual terminará ¿pariendo? un sinfín de gusanos que infectarán al resto del pueblo.

Al rescate irán un policía en recién ascenso (Nathan Fillion), la esposa de Grant (Elizabeth Banks), y una joven con toda su familia infectada (Tania Saulnier).

De esta manera, la trama nos ofrece: un huevo viscoso al mejor estilo bebe de Alien, bichos aguja, un hombre que se metamorfea hasta transformarse en un calamar gigante, y luego en una ameba descomunal, una embarazada que se infla como un globo (la de la foto, puaj!), gusanos que parecen babosos con textura del hígado que le das de comer a tu gato, zombies humanos, y hasta un venado zombie.

Claro que toda esta variedad de monstruosidades no entran en un argumento lineal, por lo cual la historia ira cambiando de subgéneros del terror cada, aproximadamente, media hora.

Para empezar tenemos una invasión alienigena, luego una de "mi marido se metamorfea" al estilo La mosca, más tarde alienigena-busca-procrear, para terminar en una peli de zombies; todo con un tinte de humanos infectados a los que les controlan la mente, y un tono comedia de horror.

No se puede decir que la película sea original de por sí (repasemos La mosca, Especies, El ataque de los muertos vivos, Usurpadores de cuerpos, y... ¿Muertos de risa?). Pero en la mezcla sale un coctel bastante delirante, muy grotesco (de en serio ¿vieron la foto de la embarazada-globo?), no muy terrorífico pero sí espeluznante, y sobre todo bastante entretenida.

En su debut como director, el guionista James Gunn, ofrece un film bastante cargadito; como ya dije, con referencias obvias (hay una escena en una tina calcada de la Usurpadores de cuerpo de Abel Ferrara), pero que no termina de definirse si se debe a copia o a homenaje.

Si bien Gunn no puede evitar que este se termine pareciendo a su anterior trabajo como guionista (la remake de El amanecer de los muertos), el resultado es menos fuerte e impactante, y más llevadero.

En definitiva, hacia rato que no veía algo de sangre, y esta, por lo menos no me durmió (la situación, "acostado en mi dormitorio", daba para eso). No será una joyita, pero cumple con lo que promete; y además ¿Alguien esperaba que lo fuese?.

Título: Slither: Criaturas Rastreras (Slither)

Año: 2006

Duración: 94 minutos.

Director: James Gunn

Actores: Elizabeth Banks, Nathan Fillion, Michael Rooker, Tania Saulnier, Brenda James.

... O Cómo es ser un estudiante de derecho obsesionado por el cine

2009-07-11T19:45:00.000-03:00

Escribo esta primer entrada a modo de que me conozcan, y sepan de que va el blog; entonces ahí va:

Soy Fernando, 26 años, con un sobrepeso importante (no se puede correr y mirar películas al mismo tiempo, es uno o lo otro; pero sí se puede comer y mirar películas simultáneamente, y es muy tentador), vivo en el conurbano bonaerense, y estudio derecho hace cinco años...

No es que el derecho no me interese, elegí la carrera libremente por mis gustos y mi facilidad para estudiar; es más estoy a punto de recibirme (cuatro materias, crucemos los dedos). Pero digamos que mi pasión está más relacionada a Leopoldo Torre Nilsson (si no sabes quién es, averigualo, es importante) que a Vélez Sarsfield (redactor del Código Civil).

No me gusta el fútbol, no escucho mucha música, no canto, ni bailo, ni toco ningún instrumento; lo único que me apasiona es sentarme delante de una pantalla alrededor de dos horas y disfrutar lo-que-sea en materia cinematográfica.

- Para que quede claro, cuando digo lo que sea es LO QUE SEA; he visto mucho bodrio en el cine, y aún así la experiencia es formidable; no recuerdo haberla pasado mirando una película -

Entonces, vamos a lo importante, en este blog, voy a redactando mis vivencias como un fanático perdido del cine, y de paso una especie de críticas o reseñas de las películas en cuestión(que pueden ser de todo tipo y género, repito, veo lo-que-sea), simplemente eso.

No les prometo una regularidad, ya que el estudio me lleva más tiempo del que quisiera; pero si que, de tanto en tanto, voy a despuntar mi vicio de crítico apócrifo de cine sobre este blog.

Saludos, y hasta la próxima.

Por cierto, la foto del perfil, no pertenece al expediente del caso Rosswell, soy yo a los cuatro años (soy ojudo, ¿y qué?).